Discos de Bolso

Feliz Natal e um Bom Ano de 2011

2010-12-23T15:18:00.003Z

Interregno...

2010-03-31T23:29:00.004+01:00

Infelizmente o tempo foi se tornando escasso e a minha pontualidade na edição deste espaço deixou de ser uma constante, uma vez mais o meu pedido de desculpas, e de compreensão, a todos os seguidores deste Blog que tanto gozo me foi dando á medida que ia escrevendo novas crónicas e que ia conhecendo o "feedback" que todos os amantes de musica e da blogosfera me iam dando, a todos o meu sincero obrigado, sempre na esperança de poder em breve retomar a actividade do "nosso" Discos de Bolso...

Animals (1977) - Pink Floyd

2010-02-28T17:29:00.003Z

Quem já leu “O Triufo dos Porcos” de George Orwell terá uma capacidade maior de entender este trabalho. Conceptual, progressivo, numa altura em que Roger Waters teimava em ser o lider criativo dos Pink Floyd, altura em as que guerras internas se começavam a instalar , numa banda que a pouco e pouco deixava de o ser…
Talvez, Roger Waters com “Animals” quisesse antever o futuro da banda, o que é certo é que a sua acutilância critica sobressai e começa a dar nas vistas com este trabalho, uma fabula musical, em que Waters não poupa a sociedade moderna que segundo Waters todos têm culpa num mundo cada vez maispromiscuo, corrupto e falso.
Waters divide a sociedade em 3 classes: Cães na faixa “Dogs”, porcos na faixa “Pigs (three different ones)” e carneiros em “Sheep”. Todas estas faixas têm mais de 10 minutos, são exemplo do que os Floyd haviam habituado o público e conquistado fãs em todo o mundo com álbuns como “The Dark Side of the Moon” de 1973 e “Wish You Where Here” de 1975, melodias densas, um rock conpetual e exemplarmente bem executado tinha continuação em “Animals”, num muito bom intruzamento entre excelentes musicos. As letras essas são maracdas pelo sarcasmo bem ao estilo de Roger Waters.
Com “Dogs”, Roger Waters quer representar a nova burguesia de homens de negocios, pseudo-capitalistas sempre a espera de oportunidades para subir na vida a todo o custo, passando por cima de tudo e todos, ganância cega que mais cedo ou mais tarde iria voltar-se inevitavelmente contra os próprios “Dogs”. Com “Pigs (three different ones)”, Waters quis apontar o dedo a classe politica em que Margaret Thatcher é inevitavelmente visada e os “opinion makers”, moralistas como Mary Whitehouse a altura empenhada critica dos Pink Floyd. A semelhança da obra de George Orwell, Waters entende que a classe politica nada mais pretende que servir-se a si mesma, pondo e dispondo de promoessas e unicamente preocupada em manter os seus postos. Com “Sheep”, estão implicitas referências a todos aqueles que não sendo nem “Dogs” nem “Pigs” são como carneiros não possuindo pensamento próprio limitando-se a seguir o lider… A abrir e a fechar este trabalho, “Pigs On The Wing (Part 1)” e “Pigs On Wing (Part 2)” muscas dedicadas a sua companheira de então, Caroline em que Waters pretende transmitir a mensagem que enquanto duas pessoas se amarem verdadeiramente podem ajudar-se uma a outra protegendo-se do mundo perigoso descrito em todo o álbum. Visto a distância de mais de 30 anos, duvida não há em enaltecer a capacidade lirica de Roger Waters, que faz em “Animals” um retrato que embora bastante negro da sociedade, acaba por por todos a pensar sobre a verdadeira essencia da natureza humana. Em termos que mais interessam a este espaço que é a musica, David Gilmour apresenta-se numa excelente forma, sendo autor de solos fantásticos especialmente em “Dogs”, Richard Wright e Nick Mason, como sempre também se intormetem com a sua marca de qualidade imprescindivel para transformar os Floyd na banda de topo que sempre conhecemos. A guerra interna começava ai, com Waters a querer cada vez mais assumir o controlo criativo da banda, pondo e dispondo dos restantes elementos, no álbum seguinte “The Wall” de 1979, o relacionamento entre os membros detriorou-se de tal forma que a banda práticamente deixava de existir como tal …
A capa também ela se destaca, não só pela magnifica fotografia de Central Electrica de Battersea, mas também pelo porco insuflavel que se pode ver na capa e que foi utilizado na digressão promotora de “Animals” e bem recentemente por Roger Waters em seus concertos, servindo como de imagem de marca dos Pink Floyd.
Não me cabe a mim analisar a actual sociedade, e compará-la com a de então, Waters terá o seu pensamento e a sua maneira de ver o mundo, assim como cada um terá a sua, masa a esta distância, não estaria ele a antever o futuro dos Floyd e a voltar-se não só para fora como para dentro do próprio grupo? E alimentando a “novela” do grupo, quem é quem nos Pink Floyd?

Scorpions anúnciam fim

2010-01-31T14:28:00.004Z

Os alemães Scorpions , com uma carreira iniciada nos anos 60, anúnciaram recentemente o fim da banda. Está previsto porém o lançamento de um último álbum de originais e de uma digressão de despedida, digressão esta que se aguarda que passe pelo nosso país, onde a banda sempre gozou de enorme popularidade.

Ficam as baladas, os solos e os riffs de uma das melhores bandas de Hard-Rock de sempre!

Feliz Natal e um Excelente Ano de 2010!

2009-12-23T12:52:00.001Z

MCMXC a. D. (1990) - Enigma

2009-11-30T21:47:00.007Z

A ousadia do projecto Enigma, ficou desde logo patente no seu álbum de estreia “MCMXC a. D.”, em que o seu mentor Michael Cretu se propôs a misturar musica de dança com chillout entre outros estilos, criando uma atmosfera contagiante e um álbum bastante curioso e acima de tudo inovador.
Encaro este álbum como uma viagem, um mergulhar num estilo de musica moderno e clássico ao mesmo tempo, um compromisso entre o new age e a mais inovadora música electrónica de Ibiza, um álbum conceptual que flui e que é capaz de nos transportar para bem longe…
A abrir o mote é dado por Lousa Stanley em “The Voice of Enigma” seguindo-se “Principles of Lust” que por sua vez se divide em 3 faixas: “Sadness – Part 1” polémica devido ao canto gregoriano utilizado e misturado com sonoridades mais psicadelicas, talvez também essa polémica fosse também ela contributo para o tremendo sucesso que esta faixa atingiu em todo o mundo, continuando com vozes sensuais envolvidos com canto clássico e uma sonoridade de um chillout bastante envolvente e inovador em “Find Love”, voltando depois a um reprise de “Sadness”. Segue-se um tributo lirico a Maria Callas na faixa seguinte “Callas Went Away” com uma excelente batida. Em “Mea Culpa”, o álbum volta ao canto gregoriano, esta faixa inspira-se no canto “Kyrie Eleison” misturando-o com flauta a acompanhar, seguindo-se a visão do Apocalipse em “The Voice & The Snake”, uma faixa psicadélica, seguindo-se a electrónica “Knocking on Forbidden Doors”. “Back of the Rivers of Belief” é também uma faixa que se divide em três faixas: “Way to Eternity” em que se vai buscar a banda sonora do filme “Encontros Imediatos do Terceiro Grau” de Steven Spelberg, partindo dai para o chillout presente em todo o álbum que segue em “Hallelluiah” e “The Rivers of Belief”, e que preenchem 40 minutos de música soberba.
A polémica de utilizar canto geroriano misturando-o com vozes sensuais e música electrónica fazendo o casamento entre a religiosidade e erotismo fez com que os videos de “Principles of Lust”, e “Sadness – Part 1” fossem banidos da MTV por serem considerados blasfemos, e tal como qualquer polémica surge a posterior curiosidade não demorando muito tempo para que o álbum atingisse o primeiro lugar em Tops tão diferentes como o Reino Unido, México ou Austrália, nos Estados Unidos o álbum ascendeu até ao 5º lugar, tendo vendido ao todo em todo o mundo mais de 20 milhões de cópias.
A inovação levada a cabo por Michael Cretu e companhia e o seu consequente sucesso e aclamação mundial quer pela critica quer pelas massas levou a que este seja considerado um dos melhores álbuns dos anos 90 e provavelmente o álbum mais influente de sempre da cena chillout/new age, não e injusto negar que se não fosse a sua existência bandas como Era ou Gregorian, que posteriormente fizeram grande sucesso, não tivesse existido e tido a coragem de ousar misturar musica contemporanea com canto gregoriano, também por ai há que verificar a grandiosidade deste trabalho…
Um álbum ideal para ouvir em qualquer altura e que não se pode dizer que tenha um momento “baixo” ao longo dos seus mágicos 40 minutos… mais que uma viagem pela música, um enigma por desvendar que nos envolve a cada faixa…

Outubro

2009-10-30T19:24:00.002Z

Tem me sido de todo impossivel actualizar o "Discos de Bolso" com a regularidade que vinha a ser hábito. Desde já as minhas desculpas na esperança e no desejo de poder retomar a actualização regular do Blog.

Obrigado.

1 Ano!

2009-09-08T21:23:00.001+01:00

Um ano passou deste a primeira públicação neste blog. Ao longo deste ano, a musica foi sendo celebrada com maior ou menor regularidade, mas sempre com o mesmo entusiasmo, seriedade e sinceridade. A todos os que comigo colaboraram dando incentivo ou criticando qualquer coisa que por aqui passasse e no geral todos os que seguem o "Discos de Bolso" uma palavra de agradecimento e de que em breve a regularidade volte a ser regra neste espaço, visto últimamente me ter sido impossivel a actualização regular do mesmo.A todos o meu sincero obrigado e... "No music, no life".

Apetite for Destruction (1987) - Guns n´ Roses

2009-08-11T23:06:00.005+01:00

Muito já se escreveu sobre “Apetite for Destruction”, o álbum desta semana, não só pela sua qualidade mas também por todo um conjunto de histórias e mitos que envolvem a sua gravação e uma banda que há altura ousou inovar e assim destacar-se de todo o panorama Heavy Metal /Hard Rock do final dos anos 80, “Apetite for Destruction” é sem duvida o ponto mais alto dessa fase dos Guns n’ Roses.
Numa altura em que ganhavam impacto e estavam na ribalta bandas como os Motley Crue, Kiss ou Twisted Sister, os Guns n´Roses surgiram um pouco na linha destas bandas, mas a sua irreverência e comportamento politicamente incorrecto que desde cedo adoptaram fizeram que se destacassem desde de cedo da cena musical Norte-Americana, e a sua sonoridade mostrou também desde logo que estavam muito mais a frente que todas as outras bandas.
É essa a irreverência que está presente no álbum, a começar pelo titulo que não deixou ninguém indiferente, quanto ao seu contudo, as letras estão repletas de trocadilhos, e segundos significados, e abordavam de uma maneira crua temas como o sexo a violência e as drogas, quanto a sonoridade, os Guns tocavam mais pesado que ninguém e foram buscar as suas influências a pioneiros como os Led Zeppelin ou Black Sabbath, mas também a Aerosmith ou aos Motley Cure, foi como que uma mistura de várias sonoridades que acabaria por provocar uma evolução e uma nova forma de encarar e ver a música dita “pesada”.
Composto por 12 faixas entre elas alguns dos maiores clássicos da banda Norte-Americana, “Apetite for Destruction” começa com a visão dos Guns sobre o Mundo, a irreverente “Welcome to the Jungle” é ainda hoje uma das músicas mais conhecidas da banda e é um grande tema de contestação, o álbum continua a toda a velocidade com “It’s So Easy”, “Nightrain” e “Out Ta Get Me”. “Mr. Brownstone” outro grande clássico da banda, sobre drogas que chegou mesmo a ser censurado em alguns países devido a sua letra. “Paradise City” também conhecida de todos como uma música em que se nota a perfeita sintonia entre Slash e Axl Rose, uma grande faixa. Pelo meio e até ao fim sem esquecer “My Michelle”, Think About You”, “You’re Crazy” e Anything Goes”, não pode nunca deixar de se referir o clássico “Sweet Child O’Mine” em que Slash se apresenta no seu melhor nível tocando um dos “riffs” de maior impacto na história do Rock e a versátil “Rocket Queen”.
Um álbum destes deve ficar inscrito como um dos melhores álbuns da história do Rock, através dele como que uma lufada de ar fresco veio agitar o final da década de 80 e o inicio da década de 90, foi como que um último grito do verdadeiro Rock ‘n Roll que já se encontrava a perder terreno para estilos como o Grunge, consegue-se também retirar deste álbum a excelente forma de uma das melhores duplas da história do Rock: Axl Rose e Slash, que invariavelmente quase como todas as grandes duplas havia anos mais tarde de acabar mal… é tido como um álbum bastante influente, várias vezes referido como um dos melhores álbuns de sempre, arrasador do inicio ao fim tido também pelos fãs como o melhor trabalho dos Guns n´ Roses, foi um trabalho que vendeu mais de 40 milhões de discos em todo o mundo e fez as delicias de toda uma geração de adolescentes que ainda hoje em idade mais avançada não têm vergonha em soletrar de cor os refrões avassaladores de Axl Rose.
“Apetite for Destruction” foi o álbum que apresentou uma das últimas verdadeiras bandas de Rock n´Roll e é pela sua qualidade intemporal…

Thriller (1982) - Michael Jackson

2009-07-28T22:28:00.004+01:00

A abordagem ao Rei da Pop e a sua carreira torna-se nesta altura inevitável, e nenhuma abordagem seria justa, quando ao falar da carreira discográfica de Michael Jackson se não se falasse de “Thriller”. Depois de um inicio de carreira ligado aos Jackson Five e já com um excelente "feedback" por parte da critica e do público com o álbum anterior a “Thriller”, “Off The Wall” de 1979, foi com “Thriller” que se bateram todos os recordes e foi também com este trabalho que Michael Jackson se afirmava definitivamente como ícone maior da musica Pop e da cultura do Século XX.
O álbum é composto por 9 faixas, todas elas de enorme sucesso fazendo de “Thriller” um trabalho completo do inicio ao fim, quanto ás influências, Michael Jackson mistura de tudo um pouco com a música Pop desde Funk, Soul, R&B e até mesmo Rock o que faz deste álbum um dos mais completos trabalhos da história da musica Pop. A começar as duas primeiras faixas do álbum “Wanna Be Startin’ Simethin’” e “Baby Be Mine” demonstram as influências Funk do álbum, sonoridades inspiradas em muito na Disco dos anos 70 e na cena de Motown, de seguida surge um dueto entre Michael Jackson e Paul McCartney, uma faixa mais Pop que as anteriores, seguem-se três faixas que ficam na história da musica Pop do Século XX e que dispensam apresentações “Thirller” cujo videoclip é tido como o mais bem sucedido videoclip de todos os tempos e em que Michael Jackson dança no meio de zombies, para que também através dele se notasse alguma influência no oculto e no sobrenatural que este álbum recebeu, a inovação de Michael Jackson foi enorme nesta musica e neste videoclip e o seu prefeccionismo está bem patente, muita critica firma mesmo que Jackson inovou ao transpor com “Thriller” a magia da Brodway para a música. “Beat It” outra faixa intemporal que teve a participação do guitarrista Eddie Van Halen, e que se tornou num hino anti gangues, o videoclip também é muito bem conseguido, na linha de “Thriller” com excelentes coreografias, e “Billie Jean” que é tida como a canção de maior sucesso nos Estados Unidos. Em “Human Nature” E “P.Y.T (Pretty Young Thing)” estão patentes influências R&B e o álbum termina com a “The Lady In My Life” a música mais calma do álbum.
Muito já se escreveu e muito se poderia aqui escrever sobre “Thriller”, mas o essencial é que é um álbum intemporal e que bateu todos os recordes, foi o álbum que mais vendeu na história da música com mais de 100 milhões de cópias vendidas até hoje, quanto a prémios, não é razoável enumerar todas as distinções que este trabalho conseguiu, ficando-me por referir que ganhou no ano de 1983 muitas das categorias dos American Music Awards, dos Billboard Awards e dos Grammys (entre outros). Por todas estas razões seria impensável não referir este magnifico trabalho neste blog, pelos recordes batidos pelos prémios ganhos pela inovação e revolução que Michael Jackson imprimiu na sua musica e muito no trabalho visual e cénico dos videoclips, por todas barreiras que derrubou, e por todos os artistas que influenciou e influência, factores que o catapultaram para o estatuto inevitável de Rei da Pop, e é sem dúvida nesta altura em que a música fica mais pobre que há que recordar o artista que Michael Jackson foi e o que de melhor ele nos deixou e “Thriller” ficará sem dúvida gravado para sempre na história da cultura do Século XX.
Fazer um álbum como “Thriller”é trabalho que só está ao alcance de um génio como Michael Jackson foi e será sempre recordado como tal…

Michael Jackson (1958 - 2009)

2009-06-26T18:26:00.006+01:00

"I said if

You're thinkin' of
Being my brother

It don't matter if you're

Black or white"

Rocket To Russia (1977) - Ramones

2009-06-23T22:46:00.004+01:00

Em pleno auge do movimento Punk, da banda precursora deste movimento musical e cultural nos Estados Unidos “Rocket To Russia” é um álbum especial que merece destaque como referência daquele movimento, mas também como grande álbum Rock dos anos 70 que é.
Os Ramones formaram-se em 1974 em Nova Yorque e apesar de no inicio da carreira e com os seus primeiros álbuns “Ramones” de 1976 e “Leave Home” de 1977 em que apresentaram uma sonoridade claramente ligada ao Punk Rock, musicas rápidas e curtas, revelando assim uma nova atitude, o reconhecimento contudo e por curioso que pareça, chegou primeiro de Inglaterra e só depois a altura de “Rocket to Russia” é que os Estados Unidos decidiram aclamar os Ramones.
Este álbum mostra de facto uma mudança em relação aos dois anteriores trabalhos, se por um lado mantém a postura Punk, por outro conseguem ir beber a outras correntes musicais e coneguem fazer um álbum bastante abrangente e bem conseguido.
Assim do inicio ao fim assistimos a um desfilar de musicas do mais puro Rock n’ Roll americano como “Cretin Hop” e “Rockaway Beach” dois grandes hino do Punk Norte-Americano, faixas que ainda hoje são recordadas, “Here Today, Gone Tomorrow” e “Locket Love”demonstram o gosto dos Ramones pelo tema do amor, pouco usual no Punk, mas a provarem de certo modo uma certa versatilidade e uma maneira muito própria de encarar o Punk, o álbum segue com faixas mais pesadas “I Don’t Care” e “Sheena Is a Punk Rocker”, esta ultima claramente influenciada pela Surf Music. De seguida temos “We Are a Happy Family” um clássico da banda e “Teenage Lobotomy”, considerada das melhores musicas Punk de todos os tempos, um cartão de visita da banda. “I Wanna Be Well” não foge a linha Punk de quase todo o álbum assim como “I Can’t Give You Anything” e “Ramona”, segue-se a divertida (outra marca dos Ramones) “Surfin Bird” e a terminar, outra grande musica “Why Is It Always This Way”.
Todo o álbum com a duração total de pouco mais de 30 minutos e com 14 faixas não chegando nenhuma a chegar sequer aos três minutos são a prova de que não eram necessárias grandes musicas para fazer grandes álbuns, os Ramones assim como todo o movimento Punk que por esta altura se impunha dos dois lados do Atlântico vinha se opor a ideia de um Rock demasiado elaborado e perfeccionista apanágio do Rock Progressivo e de bandas como Pink Floyd, Genesis ou Camel que dominaram a cena musical dos anos 70. Assim também contrariavam o Rock mais pesado de bandas como os Led Zeppelin ou Black Sabbath, uma vez que ao contrário destas bandas negavam os solos de guitarra e faziam das musicas curtas e rápidas o seu modo de encarar a musica, assim foi sobretudo a álbuns como “Rocket To Russia” que uma nova geração de musicos emergiu devido a este impulso e a esta nova forma de encarar a musica fazendo do Rock um estilo musical acessível a todos, costuma dizer-se que o Punk Rock democratizou a musica, e essa afirmação deve ser tida como verdadeira e não se ficou por ai… O Punk Rock foi sobretudo o mergulhar numa nova cosciência musical que não só abriu a porta a novos musicos mas sobretudo a novas correntes musicais como ao New Wave que também já se encontra em parte presente neste álbum.
“Rocket To Russia” é um trabalho acutilante, com interessantes influências que quando misturadas com o Punk dão um resultado bastante interessante e que merece ser ouvido do inicio ao fim e mergulhar durante meia hora na irreverência do Punk.

Back In Black (1980) - AC/DC

2009-06-02T23:24:00.005+01:00

Um monumento ao Rock ‘n Roll, “Back In Black”, o álbum desta semana é um álbum histórico, pelo sucesso comercial que teve mas acima de tudo por tudo aquilo que influenciou e marcou que continua sem duvida a marcar.
Depois do bem sucedido “Highway to Hell” de 1979 a morte trágica de Bon Scott, o até então vocalista dos AC/DC, fez com que a banda andasse um pouco a deriva, muito se especulou, o fim da banda chegou mesmo a ser visto como a saída mais provável, mas os irmãos Young não baixaram os braços e viram em Brian Johnson até então vocalista da banda australiana Geordie, o sucessor natural de Bon Scott, a resposta foi dada de um modo que quase ninguém o faria prever, “Back In Black” não só fazia com que os AC/DC continuassem na ribalta do Rock da altura como os projectava ainda mais para um estatuto de Ídolos a nível mundial.
É dificil de entender o que tornou a sonoridade dos australianos AC/DC tão peculiar nesta fase da sua carreira, depois de mal terem ultrapassado uma crise, mas o que é certo é que “Back In Black” é um álbum completo, puro Rock n’ Roll do inicio ao fim e em que todas as faixas encaixam bem umas atrás das outras “riffs” poderosos, batidas estonteantes e ritmos alucinantes, um verdadeiro espectáculo sonoro… A começar “Hells Bells” com uns sinos a tocar como que para Bon Scott, uma faixa sombria a manter a temática infernal tantas vezes já ilustrada no universo AC/DC até a data, seguida de grandes e enérgicos temas de puro Rock n’ Roll “Shoot to Thrill”, “What Do You Do for Money Honey?”, “Givin’ the Dog a Bone” e “Let Me Put My Love Into You”. Segue-se a potente “Back In Black” que da titulo ao álbum, um clássico da banda marcada pela sua batida e pela poderosa performance do novo vocalista Brian Johnson. Segue-se outro clássico, a bem humurada “You Shook Me All Night Long”, seguindo-se as “pesadas”, “Have a Drink On Me” e “Shake a Leg”. O álbum termina um grande com outra grande “malha”, “Rock n’ Roll Ain’t Noise Pollution”, um verdadeiro hino, para todos os fãs da banda australiana e do Rock n’ Roll em geral, e que diz tudo acerca da forma como os AC/DC encaravam e continuam a encarar a musica.
Um álbum poderosa abrir os anos 80, numa fase que se espectava menos boa da banda a resposta a morte de Bom Scott foi esta e não poderia ser melhor, aliás este trabalho é também visto como uma verdadeira homenagem ao anterior vocalista desde logo com a faixa inicial “Hells Bells”, ou “Back in Black”, o nome do álbum e a capa também não são por acaso pois demonstram o sentimento de luto que a banda atravessava.
É difícil explicar como é que um álbum de sonoridades tão pesadas conseguiu vender tanto, até hoje mais de 43 milhões de cópias, sendo o 2º álbum mais vendido de todos os tempos logo atrás de “Thriller” de Michael Jackson, quando de fala em AC/DC, este álbum deve ser visto como a sua referência máxima mas não só, é um álbum que marcou toda a sonoridade Hard Rock que se fez e continua a fazer, um álbum completo, de topo, e indispensável na discografia de todos os que apreciam bons momentos de verdadeiro Rock n’ Roll carregados de energia e entusiasmo que só os AC/DC conseguem transmitir, uma verdadeira obra-prima.
Depois de quase 30 anos convém recordá-lo quanto mais não seja para abrir o apetite para o concerto de amanhã em Alvalade… “Rock N’ Roll Ain’t Noise Pollution!”

Rock and Roll Aint Noise Pollution - AC/DC/AC-DC

The Man-Machine (1978) - Kraftwerk

2009-05-25T21:45:00.003+01:00

Numa altura em que a musica electrónica começava a surgir com algum impacto mas ainda dava os seus primeiros passos, os avanços davam-se muito a conta dos alemães Kraftwerk e de trabalhos que marcaram toda uma Década de 70 mas acima de tudo toda a musica a nível mundial, no que dai em diante se fez e continua a fazer.
Álbuns como “Autobahn” de 1974 que deu um primeiro grande impulso a musica electrónica ou “Trans-Europa Express” de 1977, o álbum desta semana “The Man Machine” é talvez o álbum que marca uma certa evolução da banda quer num sentido musical quer estético que viria a alterar o modo como a musica era encarada.
Se nos trabalhos anteriores a “The Man Machine”, se notou uma clara vertente de minimalismo e experimentalismo, em que se dava mais importância ao instrumental, “The Man Machine” vem a confirmar-se ser um álbum diferente, um trabalho em que os Kraftwerk colocam todo o experimentalismo electrónico que os caracterizava ao serviço da musica Pop.
Assim, este álbum é composto por 6 faixas, todas elas apanágio de uma temática futurista e tecnológica como que uma homenagem musical ao compatriota Fritz Lang e a sua mais conhecida obra “Metropolis” meio Século depois. Todas as faixas são tambem indivualmente tidas como referência na longa carreira dos Kraftwerk. Em “The Robots”, uma faixa diferente do até aqui realizado pela banda um tema Synth-Pop, a abordagem futurista é feita de um modo irónico e provocador, continua-se em tons robóticos com “Spacelab” e “Metropolis”. Destaque merece “The Model”, um tema demasiado Pop para aquilo que os Kraftwerk vinham a fazer, um tema dançável e que ainda hoje se considera vanguardista, surpreendente. “Neon Lights” e a faixa titulo “The Man Machine”musicas que ainda hoje perduram, e que são indispesnáveis nas apresentações ao vivo e nas colectâneas da banda alemã.
Um álbum que se pode dizer não ser longo mas que enche as medidas, nada nele é feito ao acaso e não se pode dizer que haja momentos e experimentalismos a mais, um álbum completo.
Inspirador, futurista e inovador em minimalismo que caracterizava a banda alemã continua em certa medida presente, bem como o conceptualismo contudo como já frizei tudo é feito seguindo uma abordagem mais Pop, como que uma afirmação do verdadeiro potencial da banda, o tema do álbum assenta que nem uma luva a banda, e essa mistura de conceptualismo, futurismo de exploração minimalista de certas sonoridades tudo aliado com uma vertente mais comercial veio sem duvida a influenciar a musica dai para a frente. Diz-se muitas vezes que principalmente este álbum foi verdadeiramente o primeiro álbum Synth-Pop produzido e que veio a infuênciar todos os “New Romantics” dos anos 80 que surgiram principalmente na Inglaterra como Duran Duran, Visage ou Depeche Mode. Há também quem considere este trabalho, grande impulsionador do movimento New Wave que surgiu no final dos anos 70 e no inicio dos anos 80. todas estas referências provam que os Kraftwerk estiveram não na génese da musica electrónica e que graças ao seu trabalho devemos muita da musica electrónica e Dance Music que hoje se ouvem, que um pouco toda a musica que se fez dai em diante tem o cunho deste colectivo alemão sendo a ser considerada como uma banda que chegou e chega a influenciar tanto como os Beatles…
Um trabalho que consta da lista dos melhores álbuns do Século XX, torna-se sem sombra de duvidas um trabalho imprescindível goste-se ou não de musica electrónica, nem que seja pelo simples facto de que passados mais de trinta anos continuar ser catalogado de futurista…

The Robots - Kraftwerk

Unknown Pleasures (1979) - Joy Division

2009-05-18T23:25:00.008+01:00

Mais importante do que entender cada letra deste álbum, torna-se necessário conhecer o meio, a época e o mundo que rodeava o lider dos Joy Division, Ian Curtis. Formados após um concerto dos Sex Pistols, numa altura em que o Punk atingia o auge na Grã-Bertanha, e em que se assistia ao aparecimento de novas bandas com uma nova estética a todo o momento, numa cidade cinzenta como Manchester onde o escape era muitas das vezes a musica… Foi todo este complexo de factores que resultou nos aparecimento dos Joy Division, porém o mais difícil de explicar ou até tentar compreender será a a mente de Ian Curtis, motivado por uma criatividade genial ou “qui-ça” pelos seus inumeros problemas pessoais acabou por pintar o Rock e a decada de 80 de tons cinzentos…
O álbum de estreia dos Joy Division “Unknown Pleasures” é sem duvida um marco na musica do séc XX, não só pela sua qualidade presente em todas as musicas que o integram mas acima de tudo porque foi um trabalho que tudo pôs do avesso e a partir dai, nada na musica voltou a ser como dantes.
Ao longo do álbum, uma sonoridade nova sobressai, não é punk, mas também não é aquele rock como o habitual dos anos 70, também não é nenhum compromisso entre esses dois estilos, é algo de surpreendentemente novo… o álbum é marcado por essa estética e sonoridade e em que o uso e abuso do linhas de baixo de Peter Hook executadas na perfeição se conjugam com uma bateria quase “militar” de Stephen Morris, e “riffs” arrojados da guitarra de Bernard Sumner. Exemplo disso são as primeiras faixas “Disorder” (abertura em grande), “Day of the Lords”, que demonstra todo o explendor da sonoridade patente deste álbum ou as “claustrofóbicas” “Candidate” e “Insight”. É difícil neste álbum encontrar um momento alto, todo ele é excelente do inicio ao fim, mas talvez se possa indicar “New Dawn Fades” como a musica que mais se destaca, mas essa análise é difícil, uma faixa “assustadora” em que Curtis provavelmente se quis referir a temática da mudança (?). O álbum arranca novamente para faixas mais ritmadas como “She´s Lost Control”, retratada no recente filme de Anton Corbijn sobre Ian Curtis e os Joy Division, “Control” como uma faixa inspirada num caso de uma jovem epiletica que impressionara Ian Curtis que tambem sofria dessa doença, uma faixa mais voltada para o punk, mais acelerada. Em “Shadowplay”, Curtis aborda a morte, encontros e desencontrostendo como fundo o meio urbano numa das musicas mais conhecidas dos Joy Division, segue-se a “industrial” “Wildserness” e a fechar novamente sonoridades mais inspiradas pelo “punk” em “Interzone” e um grande final em “I Remember Nothing”.
Por muito que se tente explicar ou compreender a carga lírica depressiva de Ian Curtis, é uma tarefa ardua, nem Hook, Sumner e Morris, na altura o conseguiram, e isso pouco importa, o que mais ressalta é a profunda tristeza e angusita sempre presente , uma tristeza como que irremediável e consentida, como que a antever um final trágico e ao mesmo tempo envolta numa sonoridade cativante. Costuma dizer-se que há o antes e o depois dos Joy Division e a banda de Manchester foi sem duvida neste álbum pioneira de uma nova fase da musica que ai vinha, nunca ninguém tivera a coragem de a abordar deste modo, tornando-a sofrega e cinzenta, como que uma longa viagem por um imenso deserto de desolação e tragédia, como neste álbum, e tudo o que veio a seguir foi diferente como não podia deixar de ser… A Década que ai vinha descobrira a sua identidade musical graças a este quarteto a e muito por culpa deste álbum, tidos como os fundadores do rock-gótico ou do chamado post-punk foram inspiradores de tudo o que dai se fez em diante mas principalmente e em especial de bandas como Depeche Mode, The Cure, The Smiths, Sisters of Mercy ou mais recentemente The Killers e Interpol. E Manchester essa cidade onde nada se passava, passou de um momento para o outro a ser o centro de toda a criatividade musical da Grã-Bertanha.
Muito se tem dito e escrito sobre o trágico suicídio de Ian Curtis no dia 18 de Maio de 1980, aos 23 anos dias antes de partir para a primeira Tour dos Joy Division nos Estados Unidos, os problemas pessoais como o casamento desfeito e a relação com a amante, bem como a epilepsia que cada vez se agravava mais, ou a dificuldade em lidar com a sua crescente ascenção mediatica foram talvez prenuncio de um desfecho inevitavel de alguem que apesar de todo o futuro brilhante que se lhe antevinha, mostrou acima de tudo que era um comum ser-humano, com problemas, defeitos e qualidades e que ás sucessivas e frustradas tentativas de fuga do seu “labirinto”, disse como o próprio escreveu na carta de despedida “Não aguento mais…”, inscrevendo o seu nome na lista dos icones imortais da musica do Sec. XX e protagonizando uma das grandes histórias da musica do nosso tempo…

Disorder - Joy Division

Ian Curtis (1956 - 1980)

2009-05-18T21:43:00.004+01:00

"So this is permanence - love's shattered pride
What once was innocence, turned on its side
A cloud hangs over me - marks every move
Deep in the memory of what once was love."

Abraxas (1970) - Santana

2009-05-12T23:16:00.004+01:00

Da banda de Santana, banda com o mesmo nome, que o guitarrista mexicano ajudou a fundar em São Francisco na California, “Abraxas” o álbum desta semana é um album surpreendentemente rico, onde várias sonoridades e culturas se cruzam numa excelente maneira de celebrar a musica. Depois do também surpreendente “Santana” de 1969, que abriu os horizontes e as perspectivas para uma nova forma de encarar o Rock, “Abraxas” é contudo e ainda hoje o álbum que maior reconhecimento trouxe á banda de Carlos Santana.
O surpreendente neste trabalho, é o modo versátil e simples como se misturam diferentes ritmos e instrumentos nunca dantes vistos como congas entre outros instrumentos de percursão em perfeita consonância com sonoridades mais ligadas ao Blues e ao Rock. Assim logo a abrir este mágnifico trabalho surpreende-nos um tema que não destoa do acima mencionado “Singing Winds and Crying Beasts” um excelente tema, perfeito para iniciar este trabalho, uma faixa calma com a inclusão de instrumentos de percurssão latinos e o orgão a fazerem as honras, uma faixa em que a guitarra fica em segundo plano. Segue-se porém a mais ritmada e conhecida de todos “Black Magic Woman/Gipsy Queen” composição de Peter Green dos Fletwood Mac, mas que acima de tudo Santana imortalizou, nesta faixa está bem patente a influência latina de Santana e a guitarra com riffs e solos que ainda hoje são sua imagem de marca, este é ainda hoke talvez a musica mais conhecida que serve de acrtão de visita a Santana e a sua banda. “Oye Como Va” é a musica que se segue e sem duvida também um grande classico de Santana e da musica latina, uma faixa que fez sucesso e que ajudou a catapultar este álbum para os tops e foi não poucas fazes parte de banda sonora de inumeros filmes ou series televisivas. Nesta altura, já o álbum já nos contagiou a todos e e dificil não reparar e ficar alheio a tanta energia e a tanto ritmo latino aliados com a perfeição da guitarra de Santana como provam as faixas “Incident at Neshabur”, “Se a Cabo” ou “Mothers Daughter”. O álbum acalma com a magnifica “Samba Pa Ti”, um magnifico slow, uma faixa mágica também ela das mais conhecidas do guitarrista mexicano, uma faixa em que sobressai a guitarra conjugada com o orgão, trasmitindo sonoridades exoticas e ambientes torridos de paragens Mexicanas. Depois desta magnifica “pausa” o álbum volta ao normal com as faixas “Hope You’re Feeling Better” e “El Nicoya” a encerrar em beleza.
Mais que um álbum este trabalho promete uma viagem, uma viagem por sons, culturas, paisagens, um verdadeiro transmissor de sensações sempre executado de forma exemplar por excelentes musicos como José Areas ou Gregg Rolie e claro, Carlos Santana. Sem medo estes mágnificos musicos inventaram então o chamado Latin Rock em que se misturavam sonoridades tão diversas como a Salsa, o Jazz ou o Blues. Um álbum que atingiu as cinco platinas nos Estados Unidos da America e que é hoje em dia ainda um grande embaixador da cultura Mexicana do guitarrista Carlos Santana e acima de tudo da musica latina.
Sem duvida um álbum indispensavel na discografia de qualquer um de nós, arrebatador do inicio ao fim.

Samba Pa Ti - Carlos Santana

Regresso...

2009-04-29T12:01:00.003+01:00

Devido a ausência por motivo de férias e a posterior impossibilidade devido ao excessivo trabalho a nivel académico, não me tem sido possivel actualizar este espaço com a regularidade que vinha a ser praticada e que eu gostaria.

Desde já o meu pedido de desculpas e de compreensão, reiterando a vontade de voltar a regularidade normal de actualização do "Discos de Bolso" em breve...

Leonard Cohen regressa a Portugal

2009-03-25T14:29:00.005Z

Um ano depois de Leonard Cohen ter actuado no Passeio Marítimo de Algés, surge a noticia do seu regresso a 30 de Julho para um concerto no Pavilhão Atlântico.

Esta é uma oportunidade para poder ver um dos mais influentes compositores do Século XX, um regresso algo inesperado mas sempre aclamado, que vem confirmar o ano de 2009 como um ano de grandes concertos em Portugal.

Os bilhetes encontram-se a partir de hoje a venda nos locais habituais.

Close to the Edge (1972) - Yes

2009-03-23T22:41:00.004Z

Depois de uma década de 60 repleta de sucessos musicais de três minutos que invadiam as radios e que tanto sucesso fizeram, a nova década dava sinais claros de que a musica iria muito mais alem, mostrando-se muito mais elaborada e perfeccionista, esta é uma altura em que o rock progressivo começava a impor-se na cena musical a nível mundial, e os Yes depois de um inicio de carreira muito marcado por inúmeras entradas e saídas da banda e correspondente instabilidade, consegue no ano de 1972, dois álbuns bastante bem conseguidos e aclamados pela critica. Falo de “Fragile” e do álbum desta semana “Close to the Edge”.
Um álbum marcadamente progressivo “Close to the Edge” apresenta somente três faixas “Close to the Edge”, “And You And I” e”Siberian “Kathru”, as duas primeiras que por sua vez se subdividem em outras partes. “Close to the Edge” inspirada na obra “Sidarta” de Hermann Hesse, é talvez a mais versátil de todo o álbum,com mais de 18 minutos, subdivide-se em quatro partes, “The Solid Time of Change” uma faixa versátil com uma balburdia musical, que dá lugar a uma linha mais normal de um som progressivo . “Total Mass Retain” surge na consequência da parte anterior e dentro da sua linha, seguindo-se a parte “I Get Up I Get Down” com uma linha sonora bem mais calma em que se destaca o teclado de Rick Wakeman influênciado em Bach. A faixa “Close to the Edge” termina em grande com a ultima parte “Seasons of Man” em que se destaca novamente os teclados a magnifica voz de Jon Anderson, poerfeitamente encaixada no estilo musical em causa. A faixa seguinte “And You And I” divide-se igualmente em quatro partes, “Cord of Life”, “Eclipse”, “The Preacher The Teacher” e “Apocalypse”. Nesta faixa destaca-se mais uma sonoridade acústica em todas as partes em contraste com um maior destaque aos teclados na faixa anterior, referência também deve ser feita inevitavelmente as influências religiosas a que Jon Anderson recorre que viriam também a ser utilizadas muito em especial no álbum seguinte dos Yes “Tales From Topographic Oceans” do ano seguinte. A faixa que encerra o álbum é “Siberian Kathru” uma faixa que ao contrario das anteriores não está dividida em partes e que é bem diferente de todo o que há para trás no álbum visto estarmos perante uma sonoridade claramente influenciada pelo rock n’roll, uma faixa rápida e em que se destaca como não podia deixar de ser a guitarra de Steve Howe e também a qualidade e versatilidade de toda a banda.
Um álbum com temas longos mas sem ser muito longo, expoente máximo do espectáculo perfeccionista e elaborado que foi o rock progressivo nos anos 70, é apontado como um dos melhores álbuns do género e que depois dele os Yes também se tornaram numa referência musical a nivel mundial. Apesar de todas as referências surrealistas características do rock progressivo e bem presentes neste álbum, bem como as musicas com longos instrumentais altamente elaborados, é um álbum que mesmo para quem não admire muito todo o espectáculo e parafernalia progressiva, não terá dificuldade em ouvir e a ficar preso do inicio ao fim.
Aclamado pela critica desde o seu lançamento como referência máxima no artrock/progressivo, qualidade que o tempo veio provar e e visto a distancia destes anos todos continua a ser um álbum de topo e deve servir não só como referência dos Yes, mas acima de tudo como expoente máximo do que foi a musica na década de 70.

And You and I: Cord of Life/Eclipse/The Preacher the Teacher/Apocalypse - Yes

Tattoo You (1981) - The Rolling Stones

2009-03-16T15:01:00.006Z

Depois de uns anos 70 passados no topo em que lançam álbuns tão bem sucedidos que ficam para a história da musica do seculo XX como “Sticky Fingers” de 1971, “Exile On Main St.” de 1972 ou “Some Girls” de 1978, vinha ai a nova década, novas influências e um novo contrato a nível discográfico, desta feita com a EMI. Novos desafios se aproximavam, e os Stones encararam-nos a sua maneira e sem tabus, como sempre o têm feito ao longo da sua carreira já com mais de 4 décadas…
“Tattoo You”, o álbum desta semana surge nesse contexto, e devo dizer que nunca foi um álbum que recolhesse unanimidade entre os fãs dos Stones. A meu ver, não há duvida que os Stones tentam inovar (apesar de não se notar muito) e uma nova abordagem em termos de sonoridade fugindo de algum modo da praticada na década de 70, mas não deixa de ser um álbum á Stones.
Temas como “Start Me Up” a contagiante e universalmente conhecida a abrir, um tema que marca toda a carreira da banda britânica, Rock n’ Roll puro com uma estética mais ligada a nova década, “Hang Fire” outra grande malha, na linha de “Start Me Up”, uma faixa que penso que nunca lhe foi atribuído o devido valor. “Slave”, é a faixa seguinte e mais um tema provocante… um tema á Rolling Stones, seguindo-se “Little T & A” em que os riffs da guitarra de Keith Richards se destacam. Para alem destes temas de puro Rock n’Roll, e porque nenhum álbum dos Stones é homogéneo, “Tatto You” também o não é, segue-se duas musicas que fogem um pouco a linha traçada pelas faixas iniciais. “Black Limousine” com claras influências de Blues e “Neighbours” uma musica recebeu algumas criticas por parte dos fãs com uma sonoridade mais pesada. O álbum toma depois um caminho bastante diferente das faixas iniciais com musicas como “Worried About You” uma excelente faixa, uma musica calma mais sentimental com uma interpretação soberba de Mick Jagger a demonstrar e bem a sua versatilidade vocal, a atrevida “Tops”, “ Heaven” e “No Use In Crying” todas elas musicas mais calmas. O álbum termina como começou, em grande com a fantástica “Waiting On a Friend”, uma excelente forma de terminar este magnifico trabalho com claras influências de Jazz e Blues, a mensagem é um verdadeiro hino ao Rock: apesar de todos os problemas e das dificuldades de cada um, haverá sempre amigos, saídas á noite, diversão e…Rock n’ Roll.
Um trabalho muito bom que apesar de dividir um pouco os fãs dos Stones é a meu ver um excelente trabalho que mostra e bem a versatilidade musical da banda, tentando misturar vários estilos num só álbum, em que está bem patente a grande qualidade dos musicos, para álem de ser apelativo pelas grandes malhas de puro rock n’ roll que contagiam qualquer um. Foi o primeiro trabalho com a EMI e o único grande sucesso comercial com esta editora, atingiu o número 2 no Reino Unido e o número 1 nos EUA. Com a Tour desse ano, os Stones usam pela primeira vez palcos moveis bem como uma imensa parafernália de som e luz que caracteriza até aos dias de hoje os espectáculos dos Rolling Stones. A capa da autoria de Peter Corriston que mostra um Mick Jagger completamente tatuado, ganhou em 1982 o Grammy para melhor capa.
“Tattoo You” é um álbum imprescindível para quem gosta de Rolling Stones, mas acima de tudo para quem gosta de bom Rock n’ Roll.

Start Me Up - The Rolling Stones

The Velvet Underground & Nico (1967) - The Velvet Underground

2009-03-09T22:30:00.006Z

Muito tempo antes de se ousar falar em guerras de egos no seio das bandas, nos Velvet Undergound já havia esse ambiente, em plenos anos 60, “The Velvet Underground & Nico” o primeiro álbum dos Velvet Underground, surge nesse contexto, e não é preciso ir para alem do titulo para perceber uma das manifestações dessa forma de “guerrilha interna” em que Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison e Doug Yule não consideravam a modelo Nico imposta pelo “mecenas” da banda, Andy Warhol. Dai a separação e o nome do álbum ser este.
Mas esse era apenas um ponto em que a banda de Nova Yorque se mostrava a frente do seu tempo, desde logo, o modo como Andy Warol, tentando experimentar novas formas de arte, o fazia neste caso patrocinando o banda cedendo-lhe um espaço, a Factory, onde não só os Velvet Underground como outros artistas davam azo as suas divagações artísticas nos mais diversos ramos da arte. Com todo este ambiente em que que se estava rodeada completamente por arte, o resultado só poderia ser uma obra de arte. “The Velvet Underground & Nico” é sem duvida essa obra de arte fruto dessa ideia de corrente artistica materializada pela Factory de Warol e da ambição de musicos excelentes, perfeccionistas e obcecados pela sua forma defazer musica. Não é um álbum fácil, nem o pretende ser, assim como a carreira dos Velvet Undergound nunca foi um conto de fadas, este álbum também não o pretende ser surge como fiel imagem da banda em que toca em temas proibidos para America de então mergulhada no “Flower Power”. Assuntos como as drogas, a prostituição, a miséria, contando a história de uma América e de um universo urbano desconhecido mas real.
A sonoridade também ela é inovadora para o que se fazia na altura, misturando vários estilos e dispersos por diversos temas do álbum. Sonoridades mais ligadas a uma estética musical Pop, “Sunday Morning”, “Femme Fetale” “There She Goes Again”, “Run Run Run”, ou “I´ll Be Your Mirror” de sonoridades mais experimentais e alternativas em “Venus in Furs”, “All Tomorrow’s Parties” ou “ Heroin” e em que se fazia uso e abuso de riffs e distorção de guitarra em temas como “European Son”, com longos um longo e experimental solo bem como musicas mais directas, “The Black Angel Death Song” ou “There She Goes Again”. Todas as musicas, acompanhadas de uma estética inovadora, são acompanhadas de letras marcantes e profundas, perfazendo uma combinação excelente.
Há quem considere que “The Velvet Underground & Nico” foi o primeiro álbum Punk, isto 10 anos antes do surgimento do dito movimento, e essa facto não pode ser de todo negado, uma vez que foi o primeiro álbum a abordar realidades mais alternativas e até então nunca abordadas pela musica, foi como que um álbum contra-cultural uma vez que inovava tanto a nível lírico como musical e era oposto a tudo o que se fazia na década de 60 quer nos EUA, quer na Europa. Aquela vertente cultural alternativa como o Punk teve o seu inicio com este trabalho. E de facto o potencial e a qualidade deste trabalho só foi reconhecido verdadeiramente aquando do surgimento do movimento Punk, 10 anos depois do seu lançamento o que demonstra sem duvida o quanto a banda estava a frente do seu tempo. Quanto a vendas, foram poucas, chegando mesmo a sua venda a ser proibida em certos locais devido a sua linguagem, demasiado directa e crua para a época, foi um autêntico fracasso comercial na altura em que foi lançado. Mas a qualidade dos álbuns não se mede pelo numero de vendas, mas sim pela sua influência futura e quanto a isso, não há álbum como este que influenciou desde o movimento Punk, até ao Grunge de Seattle, passando como não podia deixar de ser por toda Pop mais cinzenta da década de 80, continuando ainda hoje a influenciar como nenhum álbum e nenhuma banda como os Velvet Underground.
A juntar a isto só falta referir a capa que dispensa apresentações, capa reflexo da Pop-Art de Andy Warhol, que fez com que o álbum passasse a ser conhecido como o “álbum da banana” e que faz dele uma obra de arte indispensável, por dentro e por fora.

Ill Be Your Mirror (Single V - The Velvet Underground & Nico

Disintegration (1989) - The Cure

2009-03-02T16:04:00.008Z

Com “Kiss me, Kiss me, Kiss me” de 1987, anterior a “Disintegration”, é de notar como em nenhum outro álbum aquilo que caracterizou os The Cure e os tornou conhecidos, a sua capacidade de misturar a musica pop com influências góticas. Com “Disintegration” o álbum desta semana há como que um regresso a uma fase inicial da carreira da banda de Robert Smith em álbuns como “Seventeen Seconds” de 1980, “Faith” de 1981 e “Pornography” de 1982 em que o recurso a sonoridades mais obscuras está bem patente. Em “Disintegration” há novamente uma colagem a essas sonoridades, mas de uma forma mais segura, madura e muito mais acutilante.
“Disintegration” é uma autêntica caixinha de surpresas, muito á imagem de Robert Smith que segundo o próprio passava na altura por uma fase difícil da sua vida, transportando todo o desespero e melancolia para “Disintegration”. Um trabalho que tem tanto de depressivo como de belo, um álbum longo e nem sempre fácil, é contudo um álbum em que sobressai a sua atmosfera muito própria que nos envolve e embala da primeira a ultima faixa. É quase unanimemente eleito como o melhor álbum da banda, dele saíram muitas das musicas que fizeram dos The Cure uma banda conhecida e admirada em todo o mundo não só no meio alternativo. Faixas que se destacam como a épica e instrumental faixa de abertura “Plainsong” a servir de mote e exemplo do que é todo o álbum. “Pictures of You” de mais de 7 minutos em que Smith fala de amor, e em que se destacam também os magníficos arranjos, principalmente de guitarra, com uma introdução instrumental memorável. “Closedown” a terceira faixa do álbum, também ela muito boa em que se destaca mais uma vez o ambiente sonoro criado e conjugado com magníficos arranjos de guitarra. “Lovesong”, a faixa seguinte, e uma das mais conhecidas dos The Cure é uma faixa mais pop, mas em que a angustia e a tristeza de Robert Smith não deixa de estar presente e que fez um especial sucesso nos EUA. Seguida da emotiva “Lastdance” caracterizada pelos riffs e em que o ambiente melancolico se mantem, seguida da eterna “Lullaby”, um tremendo sucesso, em que Robert Smith faz uma sátira ao medo das aranhas, e cujo videoclip ganhou o prémio de melhor videoclip dos Brit Awards de 1990. “Fascinations Street” tambem ela uma faixa das mais conhecidas dos The Cure marcada pelos riffs de guitarra cativantes. As restantes faixas “Prayers for Rain”, “The Same Deep Water as You”, “Homesick” e “Untitled” encaixam bem umas a seguir as outras sem destoar do álbum, mas o destaque vai ainda para a faixa que dá titulo ao álbum “Disinegration”, que faz lembrar (mais que as restantes) o ambiente pós-punk do inicio dos anos 80 e o as sonoridades que caracterizaram os The Cure nos seus primeiros trabalhos.
Um álbum longo (de mais de 70 minutos), mas homogéneo do inicio ao fim em que os músicos se apresentam numa excelente forma e os instrumentos encaixam entre si na perfeição. Temas marcantes e sombrios em que a melancolia está sempre presente nas letras de Robert Smith e na sonoridade. Atingiu o 3º lugar do Top Britânico e o 14º do Top Americano. É um álbum que ajuda a definir os The Cure como uma das mais bem sucedidas bandas de rock alternativo em todo o mundo servindo-lhe como um dos seus cartões de visita, e escolhido como a melhor forma da banda se despedir da década mais cinzenta e depressiva da história da musica. Consagrado pela critica e elogiado pelos fãs, por vezes faz-nos parecer que estamos perante um álbum épico, ou mais que isso, afinal, aquela tristeza consentida como Robert Smith e companhia a interpretam neste álbum, acaba por ser uma experiência que vale a pena ser vivida da primeira á última faixa.

Lovesong - The Cure

AC/DC em Portugal

2009-02-18T14:24:00.006Z

Depois de muita especulação e de um imenso silêncio por parte das promotoras, é oficial, os AC/DC vão estar em Portugal para um concerto no Estádio de Alvalade XXI no dia 3 de Junho, concerto que integra a Digressão Europeia da "Black Ice tour".
É sem duvida um dos regressos mais aguardados pelo público português, a banda Australiana não vem a Portugal desde 1996, onde actuou no dia 6 de Julho no Estádio do Restelo.
Os bilhetes estarão a venda a partir deste Sábado, dia 21 de Fevereiro e não se antevê que demorem muito tempo a esgotar...
Sem duvida, um dos concertos do ano!

Tubular Bells (1973) - Mike Oldfield

2009-02-16T22:00:00.007Z

Curiosa e fascinante é a estória do álbum desta semana, “Tubular Bells” do britânico Mike Oldfield. Muito se tem dito e escrito acerca deste álbum e de todas as curiosidades que ele envolve, a mim e passados mais de 30 anos continua a ser um álbum do qual não prescindo.
Não se pode dizer que Mike Oldfield fosse um “novato” nas andanças da musica. Quando com apenas 19 anos compôs “Tubular Bells”, já havia participado em projectos como os Softmachine ou Sallyangie (com sua irmã Sally Oldfield), mas o que é fascinante em Mike Oldfield é a sua capacidade de autodidacta que o levou a aprender a tocar um sem numero de instrumentos e aos 19 anos o levou a compor um álbum com a complexidade de “Tubular Bells”. Contudo, como é fácil de calcular uma peça musical dividida em duas partes de mais de 20 minutos não havia de ser fácil de vender e mesmo com a ajuda de outro génio, o então desconhecido Richard Brenson, proprietário do estúdio onde Oldfield gravara “Tubular Bells”, que tentava junto das editoras que o álbum pudesse ser editado, tentativas estas todas frustradas, era impensável editar um álbum de um jovem de 19 anos, completamente instrumental e com aquela duração, fracasso a vista pensavam as editoras… Foi então que Brenson teve a excelente ideia de fundar a sua própria editora para comercializar "Tubular Bells", e assim fez. A Virgin foi fundada por Richard Brenson com o único objectivo de comercializar Tubular Bells e o objectivo foi mais que cumprido uma vez que “Tubular Bells” vendeu mais de 16 milhões de cópias.
O sucesso, teve tanto de curioso como de inesperado, nada fazia prever que um álbum como “Tubular Bells”, instrumental, e com uma longa duração que fazia dele um álbum “supostamente” pouco comercial, mas o que é certo é que vendeu e vendeu bem , sendo o álbum de rock instrumental que mais havia vendido até então. Este facto foi até alvo de estudos sociológicos, e é tido como um grande influência no campo da musica instrumental, chillout, new age e progressivo.
O segredo para o sucesso, ninguém o saberá apontar mas a mistura de sonoridades e de instrumentos, a sua grande maioria tocados pelo próprio Mike Oldfield, em que se cruzam instrumentos de cordas, campainhas tubulares e piano, com claras influências minimalistas e progressivas, e uma sonoridade melódica muito própria da guitarra de Mike Oldfield, que é ainda hoje sua grande imagem de marca, fez dele um álbum até a data pioneiro, e sem duvida único que marcou uma época.
A parte inicial de “Tubular Bells” serviu mesmo de banda sonora de um grande filme da época “O Exorcista”.
A atmosfera deste álbum é envolvente e é um trabalho que merece ser escutado da primeira a ultima nota, uma excelente composição de um dos grandes compositores da musica moderna, também conhecido como um dos melhores guitarristas do mundo e pelo seu autodidatismo e versatilidade enquanto multinstrumentista, capaz de juntar os mais diversos instrumentos, criando ambientes musicais únicos.
A capa também tem de ser referida, umas imagem apelativa e muito bem conseguida de uma campainha tubular dobrada e como fundo o mar, uma capa que ilustra sem duvida muito bem o conteudo musical deste trabalho.
Tubular Bells é sem duvida o trabalho mais conhecido de Oldfield, como que se de uma imagem de marca se tratasse, foi revesitado em 1992 em “Tubular Bells II” com uma abordagem diferente, mas que também chegou a número 1 no Top Britânico, em 1999 surge “Tubular Bells III” com uma abordagem inspirada claramente na musica electrónica e em 2003 com “Tubular Bells 2003”, mostrando o fascínio de Oldfield por esta obra e a sua tentativa de a revisitar das mais diversas formas, pois segundo ele nunca ficou satisfeito com o resultado final de “Tubular Bells”.
Um grande álbum, e uma das primeiras e bem sucedias abordagens a musica new age/chillout sem preconceitos, e com grande qualidade… imprescindível.

Tubular Bells Part 1 [The Exorcist] - Mike Oldfield

The Wall (1979) - Pink Floyd

2009-02-10T19:01:00.009Z

Com a criatividade dos Pink Floyd da exclusividade de Roger Waters, nota-se uma clara tendência por trabalhos conceptuais, exemplo disso é “Animals” de 1977 e principalmente o álbum desta semana, “The Wall”.
“The Wall” é de facto um álbum especial, que marcou uma época e uma geração e continua até hoje a fazer parte do nosso imaginário musical e artístico.
A ideia de “The Wall” surge em consequência da Tour de “Animals”, em que na mente de Waters devido ao seu muitas vezes mau relacionamento com o publico e consequente necessidade de abstracção dos Pink Floyd em relação á audiência lhe surge a ideia de construir um muro entre a banda e o público.
No duplo “The Wall” Roger Waters conta-nos a estória de Pink, uma estrela rock, (um misto do próprio Roger Waters e do antigo lider dos Floyd Syd Barrett) que ao longo da sua vida vai tendo alguns traumas, como o facto de nunca ter conhecido o pai, ideia presente na faixa “Another Brick in The Wall (part 1)”, a guerra “Goodbye Blue Sky”, “Vera” ou “Bring the Boys Back Home” o facto de ter sido “massacrado” na escola e de a sua infância ter sido desperdiçada em coisas para as quais não tinha vocação ficando privado de fazer aquilo que mais gostava “The Happiest Days of Our Lives”, “Another Brick in The Wall (part 2)”, foi demasiado protegido pela mãe “Mother”, um casamento mal sucedido em “Nobody Home” e o uso e a vida de estrela da musica alvo de todas as atenções e o consequente uso e abuso abuso de drogas em musicas como “Young Lust”, “One of My Turns”, “Don’t Leave me Now” ou “Another Brick in The Wall (part 3)” Com todos esses traumas, que são vistos por Roger Waters como tijolos de um muro que Pink vai construindo a sua volta, “Goodbye Cruel World”, “Hey You” ou “Is There Anybody Out There?” isolando-se de tudo e todos, vivendo em seu próprio mundo imaginário, longe da realidade. No fim, Pink é julgado e o Juiz acaba por condená-lo a destriur o muro e a voltar novamente a realidade “The Trial”.
Na verdade Roger Waters quis traçar um paralelismo com a vida de Pink e a vida de todos nós e os problemas da sociedade moderna como a solidão, a falta de compreensão entre as pessoas, o consumismo e as fugas que por vezes surgem a problemas que nem sempre são o melhor caminho, a semelhança do que fez em “Animals” numa critica a sociedade, a criatividade de Roger Waters não deixou de ter uma função de critica e de adaptação a realidade em “The Wall”. Deste álbum resultaram o classico “Another Brick in The Wall (part 2)”, que chegou a ser censurado em alguns países por ser considerado um hino a revolta dos estudantes, e “Comfortably Numb”, uma das poucas faixas que não teve composição exclusiva de Roger Waters, tendo David Gilmour também participado na composição e é autor de um dos melhores solos de guitarra da história do rock.
Ficou descrita a ideia deste álbum, o seu conceito e a sua génese, será porventura um dos álbuns que a semelhança de outros dos trabalhos dos Pink Floyd e pelo facto de ser um álbum conceptual ter de ser escutado com atenção para que se entre verdadeiramente na história e se goste do álbum, é um álbum rock , á anos 70 com uma sonoridade já em certa parte assumida em “Animals” em que há um certo “corte” com sonoridades mais progressivas e psicadelicas, surge como resposta dos Pink Floyd ao movimento punk (e que resposta…) e vendeu mais de 30 milhões de copias em todo o mundo, atingindo nos Estados Unidos a platina por 23 vezes e sendo o 3º álbum mais vendido de sempre nos Estados Unidos.
Na Tour de “The Wall”, que teve concertos apenas em Nova Iorque, Los Angeles, Londres e Dortmund, devido aos elevados custos dos concertos (Tour esta que chegou mesmo a dar prejuízo) era construído um muro entre a banda e o publico a medida que o concerto ia avançando , terminando com o derrube do muro no final do concerto. Posteriormente a “The Wall” as relações entre os membros da banda esfriaram-se ainda mais, Roger Waters afirma que os restantes membros do grupo nunca perceberam a ideia de “The Wall” ficando mesmo com os direitos sobre esta obra aquando da disputa legal pelo nome da banda que foi entregue aos restantes membros (David Gilmour, Richard Wright e Nick Mason). Na sequência disso, Roger Waters faz em 1990 um simbólico concerto em Berlim após a queda do Muro onde recria esta ópera-rock com a participação de grandes nomes internacionais como Scorpions, Van Morrison, Sinead O’Connor ou Brian Adams, sendo esse concerto a considerado pelo Guiness Book o maior concerto rock alguma vez produzido.
O álbum foi também adaptado ao cinema por Alan Parker no filme “Pink Floyd The Wall” e ao teatro em musical na Broadway.
“The Wall” é por tudo o que representa sem margem para duvidas um dos melhores álbuns não só dos anos 70 mas uma referência musical e artística do século XX… uma obra prima.

Comfortably Numb - Pink Floyd

Shepherd Moons (1991) - Enya

2009-02-02T15:23:00.004Z

Depois de “Watermark” de 1988, o álbum que popularizou Enya e também a musica Celta, surge o álbum desta semana: “Shepherd Moons”. Enya, nunca renegou as suas origens, a musica celta foi sempre a sua forte inspiração, diz-se que “Shepherd Moons” é a continuação do bem sucedido “Watermark”, e de facto não deixa de o ser, por meu turno considero este álbum marcante por várias ordens de razão, não só pela continuação em Enya continuar colada a musica celta sem receios, mas também pelo sucesso que fez nos EUA, uma vez que “Watermark” já havia feito sucesso na Europa, mas passado despercebido do outro lado do Atlântico, “Shepherd Moons” deu a Enya um reconhecimento mundial.
O álbum é composto por 12 faixas, faixas que encaixam bem, numa sequência de sons calmos e relaxantes, na belíssima voz de Enya, letras com identidade, uma vez que vai beber a cultura irlandesa e celta a sua inspiração e de uma beleza excepcional. O álbum começa com um muito bem conseguido tema instrumental que dá titulo ao trabalho “Shepherd Moons”, a partir dai e ao longo do álbum, vamos-nos deparando com musicas de uma beleza excepcional, inevitável a referência á faixa seguinte “Caribbean Blue” uma faixa de destaque, uma das musicas mais conhecidas de Enya, muito por culpa do mediatismo que foi conhecendo devido á sua sucessiva inclusão ora em anúncios televisivos ora em series, uma faixa muito bela, que acaba por servir de referência do resto do álbum. “Book Of Days” também bastante conhecida, como “Marble Halls” faixa em que destaco muito em especial a voz de Enya, uma faixa que é a meu ver uma das melhores desta artista Irlandesa. “No Holly For Miss Quinn” (instrumental), “Angeles” e “How Can I Keep From Singing” onde se destaca especialmente nesta ultima a ligação com a musica tradicional do seu pais natal. Enya chega mesmo ao ponto buscar as suas origens inspiração ao ponto de cantar belíssimas canções na sua lingua de origem o Irlandês em “Evacuee” “Ebudæ”, “Lothlórien”, “After Ventus” e “Smaiointe”.
Um trabalho excepcional de Enya, um álbum que não engana ninguém visto estar fielmente ligado a uma sonoridade e cultura irlandesa. Faixa a faixa é um trabalho que nos envolve e inevitavelmente nos transporta para um lugar distante. “Watermark”, o álbum anterior de Enya, é também ele muito bom, “Shephered Moons” é a sequência natural, um álbum não muito diferente mas como já referi, teve outro impacto a nível mundial diferente de “Watermark”, digamos que “Watermark” foi um álbum que surgiu numa altura em que os anos 80 estavam no auge e é natural principalmente nos EUA que um álbum de uma sonoridade como a musica celta, não tivesse impacto… “Shephered Moons” trouxe a musica celta ás “massas”.
A excelência e magia de “Shephered Moons” fez com que se vendessem mais de 10 milhões de copias em todo o mundo, uma marca fantástica para um álbum de world music, e foi premiado no ano 1993 com um Grammy para melhor álbum desta categoria musical.
Não só este álbum como todo o trabalho de Enya é notável no que diz respeito a forma com que se passou a abordar a world music, mas principalmente a new age e a musica celta, foi um trabalho que derrubou barreiras e trouxe este tipo de musica para o mercado. Muito por culpa do trabalho de Enya, apareceram a fazer sucesso em todo o mundo grupos que experimentavam sonoridades new age/chillout á altura sonoridades que passavam ao lado dos sucessos comerciais como os Era ou os Enigma.
“Shephered Moons” é obrigatório, mesmo para quem não gosta de musica celta.

caribbean blue - enya - caribbean blue

Rock In Rio Douro (1992) - GNR

2009-01-26T14:06:00.007Z

Os GNR foram desde o chamado "boom" do Rock Português uma das principais bandas nacionais na década de 80, muito por culpa de álbuns como “Independança” de 1982, “Os Homens Não Se Querem Bonitos” de 1985 ou “Valsa dos Detectives” de 1989. Os GNR afirmavam-se devido a sua maturidade musical, e pela sua capacidade lírica muito por culpa de Rui Reininho, autor de letras ousadas e dotadas de uma grande inteligência. Ao vivo os GNR terminam a década com 2 espectáculos num Coliseu dos Recreios esgotados, espectáculos que deram origem ao álbum “In Vivo” de 1990.
Com a década de 90 e com a influência de novas sonoridades dar-se ia a ascensão mediática dos GNR, essa ascensão mediática, deu-se muito por culpa do álbum desta semana: “Rock In Rio Douro”. Composto por 10 faixas, muitas delas ainda hoje fazem parte do quotidiano das rádios, passados todos estes anos. A abrir “Sangue Oculto” e porque os GNR gozavam na altura de uma invejável popularidade em Espanha, principalmente na Galiza, há um dueto com Javier Andreu, uma musica que dispensa apresentações um dos hinos dos anos 90, pop-rock de alta qualidade com um espectacular videoclip nas Caves do Douro a condizer. “Quando o Telefone Pecca”, também uma musica pop-rock, bem ao estilo dos GNR com uma letra de Rui Reininho, também muito ao seu estilo, uma faixa que encaixa bem entre 2 grandes musicas, já que de seguida se segue outra musica com participação especial desta vez de Isabel Silvestre em “Pronuncia do Norte”. Um dueto brilhante em que se conjugam na perfeição a voz desta cantora com a voz de Rui Reininho, uma canção calma, mas com uma intensidade lírica profunda, sem duvida uma das melhores musicas do álbum e dos GNR. “Acorda” com sonoridades mais rock, também ela muito boa, seguindo-se “Ana Lee”, também um grande sucesso de radio, uma musica pop com uma letra caricata mas muito interessante e inteligente. “Sub-16”, uma das minhas preferidas, uma faixa que retrata a adolescência, sem duvida uma musica que marcou uma geração e que ainda hoje é recordada como uma grande musica dos GNR e dos anos 90. Menos conhecidas do publico, mas faixas que se integram muito bem no álbum está a excelente balada “Que Importa”. Uma versão de “All Right Now” dos Free, banda de Paul Rogers em “Homem Mau”, e “Toxicidade”, uma letra inteligente de critica a sociedade. O álbum termina com “Sangue Oculto” na versão portuguesa.
Este álbum é de facto o álbum que marca uma época, sucesso atrás de sucesso nas primeiras semanas consegue atingir a platina e vender mais de 150 mil cópias algo de muito difícil para um álbum nacional, no total o álbum atingiu as quatro platinas. As musicas tomaram de assalto as rádios nacionais e os GNR passavam a apresentar-se ao vivo em concertos um pouco por todo o pais com muito mais importância do que o haviam conseguido na década anterior. Foi em consequência deste magnifico trabalho que os GNR no auge da sua popularidade conseguem fazer o que mais ninguém na musica portuguesa conseguiu: Encher o Estádio de Alvalade e o Estádio das Antas, para dois concertos que foram sem duvida símbolo de uma época, como que a dar as boas vindas a nova década. os GNR, esses provavam que estavam ai para durar e no topo, brindado a chegada a década de 90 com este magnifico álbum, que ainda hoje é ouvido do inicio ao fim, e os seus sucessos passados nas rádios várias vezes ao dia…
“Rock In Rio Douro”, pop-rock português de alta qualidade num álbum que é referência máxima da musica portuguesa da década de 90.

Sangue Oculto - GNR

A Secret Wish (1985) - Propaganda

2009-01-19T17:05:00.005Z

Os alemães Propaganda desde cedo mostraram uma vontade de inovação dentro do que na altura se fazia ouvir: a synth-pop. Ao escutarmos “A Secret Wish”, o álbum desta semana, mergulhamos na poderosa acutilância musical dos anos 80, sintetizadores, baterias electrónicas, tudo envolvido numa estética muito própria e caracerística daquela época e que a uma primeira audição pouco se distingue de bandas da altura como Duran Duran, Depeche Mode, Yazoo ou Frankie Goes to Hollywood. Se escutarmos com uma atenção redobrada, notamos que este trabalho tem algo de muito especial.
A tentativa dos Propaganda foi com este trabalho misturar a synth-pop com a musica industrial, e é isto que torna este trabalho especial, pois nota-se do inicio ao fim uma envolvencia perfeita entre duas tendências musicas tão distintas e ao mesmo tempo tão idênticas, ideia que este álbum nos transmite. As influências adveem certamente de Ralf Dorper ex-membro da banda alemã de rock industrial Die Krupps.
Do inicio ao fim do álbum (9 faixas) está bem patente esse ambiente industrial, sem nunca esquecer uma carga lirica muito intensa, também ela ousada que aborda temas como o amor ou ódio, numa estetica neo-romantica, sem esquecer o cariz obscuro de algumas faixas… uma obra do seu tempo. Os principias destaques deste álbum vão para “Dream Within a Dream” a faixa inicial deste trabalho, de mais de 9 minutos, ambientes chillout, numa faixa relaxante que foge um pouco ao conceito do álbum mas sem duvida uma excelente faixa. “Duel” talvez a faixa mais conhecida de todos nós, um grande hit dos anos 80, uma musica sobre inveja, ganancia interpretada de uma forma soberba por Claudia Bruncken. “P-Machinery”, a tal mistura soberba entre a synth-pop e a musica industrial, uma grande faixa que fez parte da banda sonora da serie Miami Vice. “Dr. Mabuse” a mais longa de todo o álbum com mais de 10 minutos também fez sucesso nos tops, uma faixa inspirada na obra de Fritz Lang, arrebatadora do inicio ao fim, um excelente exemplo de synth-pop industrial. As restantes faixas são também elas grandes exemplos da mistura de sons que os Propaganda levaram a cabo com este trabalho “The Murder of Love”, ambientes mais melodicos, contrastando com ambientes mais obscuros e depressivos como “Jewel” (uma faixa a toda a velocidade), “Sorry For Laughing”, “Frozen Faces” a mais experimental de todo o álbum , e “The Chase” que nos surpreende com uma espécie de nova versão de “The Duel”, de certo a sua continuação.
A analise do álbum está feita, a musica é de qualidade do inicio ao fim, uma espécie de musica comercial, sem o ser, com um conceito e uma identidade própria por de trás de cada musica, um rumo traçado do inicio ao fim que escutado com atenção não nos deixará de surpreender, num álbum em que todas as musicas valem a pena. Um álbum que inspirou muito do que se fez na pop dai em diante e a conta dele foram desenvolvidos vários remixes que fizeram sem duvida parte das bandas sonoras das pistas de dança da década de 80, uma atmosfera envolvente, e mágica conjugando várias tendências musicais e com letras á altura.
“A Secret Wish” é imprescindível para uma retrospectiva do que foi a musica na década de 80. Soberbo!

Duel - Propaganda

David Byrne em Portugal

2009-01-19T13:43:00.011Z

Oportunidade para ver ao vivo um dos mais influentes musicos da decada de 80, o ex - Talking Head, David Byrne. Byrne estará em Portugal dis 28 de Abril no Coliseu dos Recreios para o ultimo concerto da digressão Europeia do ultimo álbum composto conjuntamente com Brian Eno "Everything That Happens Will Happen Today".

Apesar de Brian Eno não acompanhar David Byrne nesta visita, do alinhamento vão constar inevitavelmente musicas anteriormente compostas por ambos e também musicas de álbuns dos Talking Heads que tiveram a ajuda de Brian Eno.

Os bilhetes já estão a venda nos locais habituais...

Crime of the Century (1974) - Supertramp

2009-01-12T20:56:00.007Z

A história dos britânicos Supertramp, é sem duvida das mais curiosas da musica da década de 70. Com o patrocínio do milionário holandês Stanley August Miesegaes, realizaram 2 álbuns que em termos comercias diga-se foram um fracasso: “Supertramp” de 1970 e “Indelibly Stamped” de 1971. A estes fracassos não resistiram a maioria dos membros que iam entrando e saindo da banda, facto que marcou os Supertramp na fase inicial do seu percurso, e em que só Rick Davies e Roger Hodgson se mantinham fieis ao projecto.
O curioso é que em 1974, já sem o patrocínio de Stanley August Miesegaes, talvez farto dos sucessivos fracassos comerciais dos trabalhos da banda e motivado também pela constante instabilidade no seio da formação, os Supertramp alcançam finalmente o sucesso e o estrelato, “Crime of the Century” é motivo para que se possa afirmar: a terceira é de vez!
Composto por 8 faixas , muitas das quais conhecidas por nós passados estes mais de 30 anos por continuarem a ser sucessos de rádio, “Crime of the Century” começa com uma grande faixa: “School” um grande sucesso dos Supertramp, uma musica de referência com uma excelente letra, voz bem colocada de Roger Hodgson e com variação de ritmos, mais calma no inicio e lá pelo meio com um solo de piano a um ritmo alucinante, não há que ter medo de afirmar que “School” é uma musica referência do rock progressivo, apesar de muita da critica não considerar os Supertramp como uma banda de rock progressivo. “Bloody Well Right”, também ela muito passada nas rádios, com uma interessante mistura de sons e de instrumentos com um magnifico solo de guitarra e um piano de Rick Davies ao mais alto nível, seguindo-se a “soft” “Hide In Your Shell” e “Asylum” também de grande nível uma musica mais influênciada pelo rock-sinfónico. A conhecidissima “Dreamer” faixa mais alegre do álbum e sem duvida uma musica que serve de cartão de visita dos Supertramp, segue-se “Rudy” com a voz de Rick Davies, mais um bom exemplo de rock progressivo tal como “If Everyone Was Listening” esta mais calma, ao jeito de balada. A terminar, o álbum encerra com chave de ouro com a musica que dá titulo ao álbum, novamente Rick Davies nas vozes, pelo meio excelente combinação instrumental, com um solo de guitarra digno de registo, esta faixa é épica!
Este álbum é de notar a fantástica mistura de sons e instrumentos, mesmo até instrumentos pouco usados nestas coisas do rock como o clarinete, troca de vozes, coros, instrumentais de elevadíssima qualidade com fantásticos e solos quer de guitarra, de piano ou saxofone só ao alcance dos melhores nomes. Art – rock ou progressivo, este álbum é sem duvida um álbum de obrigatória audição, é garantia de boa musica do inicio ao fim, teve o condão de ser o ponto de viragem de uma banda que muito deu ao mundo da musica principalmente na década de 70 e é para muita da critica e dos fãs o melhor álbum dos Supertramp, sendo também obrigatória a alusão ao também muito bom “Breakfast in America” de 1979.
Numa altura em que em nas rádios de Portugal eram passados álbuns completos e seguidos de bandas como os Génesis ou Pink Floyd, este trabalho fez com que se passasse também Supertramp, como uma referência máxima de um estilo musical tão característico da década de 70, um álbum intemporal de uma banda que teve a virtude de nunca ter desistido… Valeu a pena!

School - Supertramp

Songs From a Room (1969) - Leonard Cohen

2009-01-05T19:32:00.009Z

Depois de um reconhecimento mundial devido a poesia e a literatura, o artista desta semana Leonard Cohen, dedica-se finalmente nos anos 60 a musica, arte pela qual a grande maioria de nós o conhecemos. Poeta, filósofo ou trovador Leonard Cohen tem encantado gerações ao longo dos tempos por todo o mundo devido ao seu precioso trabalho. O álbum desta semana é para mim, referência máxima do trabalho de Cohen. De uma obra única e de uma beleza e qualidade fenomenal, passados todos estes anos, tinha inevitavelmente de vir á baila.
De uma triologia de álbuns (“Songs of Leonard Cohen” de 1967, “Songs From a Room” e “Songs of Love and Hate” de 1971) os primeiros da carreira musical de Leonard Cohen, todos eles caracterizados por sonoridades folk e letras intensamente depressivas, elego o segundo, “Songs From a Room” para figurar neste Blog. A razão pela qual o faço é a de o considerar especial em relação aos outros dois relativos a primeira fase da carreira de Cohen. Apesar de ser de entre os 3 aquele que consta que foi o menos aclamado pela critica, considero-o especial pela linguagem, pelo sentimento, pela variedade de temas abordados e pela forma inteligente e sábia como são abordados.
Produzido por Bob Johnson, produtor de trabalhos de Bob Dylan e Simon and Garfunkel, na década de 60, “Songs From a Room” começa com “Bird on the Wire” uma faixa sobre a liberdade, uma das faixas de destaque do álbum que Cohen considera de todas as suas composições a preferida, o tema liberdade não se resume a esta faixa “The Partisan” outra grande musica de destaque apesar de não ser da autoria de Cohen, a liberdade, a guerra, os sonhos desfeitos uma musica de certo dedicada a todos os combatentes da 2ª Guerra Mundial. Coragem também presente em faixas como “A Bunch of Lonesome Heroes” e “The Old Revolution”. De referência bíblica em “The Story of Isaac” em que Cohen narra a história de Isaac do Antigo Testamento. A tristeza e angústia fazem parte de musicas como “Seems so Long Ago, Nancy”, “The Butcher”, “You Know Who I am” e “Lady Midnight” a confirmar a tendência de um álbum cinzento, mas como não há regra sem excepção há contudo uma musica que levanta um pouco o moral e que foge á regra das restantes faixas do álbum, uma das minhas preferidas, a encerrar este mágnifico trabalho “Tonight Will Be Fine”.
Tristeza, consternação, coragem, liberdade todos os mais variados sentimentos convivendo lado a lado num trabalho discográfico é difícil encontrar da maneira que o encontramos em “Songs From a Room”, um trabalho intimista que nos absorve, letras intensas acompanhados de melodias suaves numa combinação perfeita, um trabalho obrigatório que eu gosto especialmente deste Monge Budista mais que um verdadeiro artista, uma referência não só na musica, mas em tudo o que pões o dedo, um filósofo, um religioso… sem duvida um senhor do nosso tempo.
2008 foi um ano em que Portugal foi brindado com a visita deste senhor da musica, no mesmo dia em que recebemos a visita de outro grande senhor da musica… Lou Reed, infeliz coincidência, tantas vezes criticada.
A musica de Cohen vai continuar presente nas nossas vidas aguardando uma possivel proxima visita… Enquanto esperamos por essa possibilidade ficamos com “Songs From a Room” e com essas trovas que são sobretudo… actuais.

The Partisan - Leonard Cohen

2009

2009-01-01T17:11:00.005Z

Com quatro meses de actividade, o esforço de escrever sobre Discos que pessoalmente considero marcantes quer a nivel nacional quer internacional, tem sido sempre acompanhada com um enorme e humilde esforço de o fazer com qualidade. Com um novo ano que agora chega, esse esforço vai continuar, agradeçendo desde já a todos os que fazem já das visitas a este espaço uma rotina, e a todos aqueles que de uma ou outra forma me têm incentivado neste trabalho que tanto prazer me tem dado. O balanço ao fim destes quatro meses de actividade do "Discos de Bolso" é graças a todos francamente positivo.

A todos desejo um excelente ano de 2009!

A tentativa de celebrar a todas as semanas a musica vai continuar...

Boas Festas!

2008-12-23T12:19:00.004Z

Surrealizar (1988) - Ban

2008-12-22T13:39:00.008Z

Quando em 1980 Rui Veloso lançava “Ar de Rock” a musica portuguesa dava uma volta de 180 graus. O chamado “boom do rock português” levava a ribalta bandas como os Táxi, Trabalhadores do Comércio, UHF, Grupo de Baile, GNR, Roquivários entre outros, foi uma época em que a musica portuguesa conseguiu uma evolução nunca vista e ainda hoje tudo o que se faz por cá se deve em muito a todo esse movimento que surgiu em inicio dos anos 80. Foi nesta altura que surgia no Porto os Bananas, banda de João Loureiro fortemente inspirada na sonoridade urbano-depressiva de Manchester.
Mas foi em 1988, depois de algumas alterações no nome já que passam a chamar-se simplesmente Ban e na formação da banda, já com Ana Deus a fazer companhia a João Loureiro na voz, lançam “Surrealizar”. E as mudanças não se ficaram por ai, também a sonoridade dos Ban é alterada cortando completamente com o rock “cinzento” de Manchester, os Ban assumem com “Surrealizar” que nada têm a ver com o chamado “boom do rock português” e fazem de uma pop pura, simples e assumidamente comercial o seu cartão de visita.
O que é certo é que tanta honestidade por parte dos Ban deu frutos e este trabalho foi um sucesso. Levado muito a sério pela critica da altura este trabalho foi considerado o primeiro álbum pop a sério em Portugal e os Ban o primeiro projecto pop portugues, todo o álbum está repleto de surpresas, e todo ele é envolvente. A abrir um tema que tudo diz sobre os Ban: “Num Filme Sempre Pop”, um dos sucessos de “Surrealizar”, que posteriormente viria a a dar titulo a colectânea dos melhores temas dos Ban. Mas o destaque vai obviamente para a faixa seguinte, “Irreal Social” é um tema a quem a musica portuguesa muito deve, dos melhores temas portugueses da década de 80, esta faixa expressa como nenhuma outra a sonoridade pop dos Ban com “riffs” curtos e secos de guitarra, o saxofone e as teclas como que estrategicamente a apoiar toda a envolvente musical, os jogos de voz entre João Loureiro e Ana Deus e claramente a letra urbana e pós-moderna que tantos elogios recebeu, de referir também em “Irreal Social” como não podia deixar de ser o videoclip arrojado, este tema explodiu e foi um dos maiores sucessos de radio nesse ano, lançou os Ban para a ribalta da musica portuguesa. Destaque merece também “Encontro com Mr. Hyde” com uma letra muito boa, outro sucesso na onda pop como o é todo o álbum, destaques também para “Um Espelho Riu” em que destaco a batida e “Brouhaha (Um Caso de Confusão Mental)” e “Doce Fazer nada”. Pelo meio encontramos musicas que encaixam bem no álbum fazendo dele uma obra que vale pelo todo: “Ritualizar”, “Função” e “Era Uma Vez”.
Um álbum especial, que de certo modo revolucionou a musica portuguesa apesar de não lhe ser imputado o devido valor e de ser um álbum e uma banda um pouco esquecida, cortaram com o rock português como que criando uma nova secção na musica moderna portuguesa, um novo ramo surgido da riqueza musical do já referido “boom do rock português”, este álbum é obrigatório, do melhor que se fez em Portugal na decada de 80. Depois dos Ban vieram os Diva os Três Tristes Tigres (de Ana Deus) ou os Entre Aspas, bandas cuja sonoridade muito se inspira nos Ban prova de que os Ban marcaram a cena musical portuguesa e que foram e continuam a ser uma referência
Os Ban terminaram oficialmente em 1995 depois de dois álbuns também eles muito bem sucedidos “Musica Concreta” de 1989 e “Mundo de Aventuras” de 1991 e as colectâneas “Documento 83-86” lançada em 1992 e “Num Filme Sempre Pop – O Melhor dos Ban” de 1994. De então para cá tem se ouvido falar em rumores de uma possível reunião do grupo portuense que infelizmente não têm passado disso mesmo, de rumores…

“Surrealizar” promete uma viagem envolvente ao universo pop, em que as letras e a musica se conjugam com uma qualidade rara, e é fiel demonstrador da melhor pop que Portugal alguma vez ousou fazer…

Irreal Social - Ban

Viva La Vida or Death and All His Friends (2008) - Coldplay

2008-12-15T17:12:00.008Z

Controverso… é o primeiro adjectivo que salta a memoria quando se fala no álbum desta semana: “Viva la Vida or Death and All His Friends”.
Depois de ”X&Y” de 2005 álbum que colocou os Coldpaly como uma banda de maior destaque na cena Rock mundial e que lhe deu o protagonismo que vinha em crescendo ao longo da carreira, eis que passados 3 anos de angustiante espera para os fãs e grande expectativa para a critica é lançado o álbum esta semana apresentado. A polémica deste álbum resume-se a mudança de sonoridade e a inovação levada a cabo por esta banda Britânica: por um lado os fãs mais cépticos que seguiam a banda desde o inicio e que com tanta inovação levada a cabo neste álbum não gostam dele, por outro o novo publico (em que me incluo) que este trabalho teve o condão de conquistar… Os dados estavam lançados… Saída de cena em apoteose com “X&Y”, 3 anos de longa espera, a colaboração do mestre Brian Eno, a critica a ajudar dizendo que vinha ai o melhor álbum de sempre dos Coldplay, o que é certo é que após o lançamento deste álbum em Junho deste ano, vendeu 2 milhões de copias em todo o mundo só nas primeiras semanas, e estava lançada a discussão, não há quem não tenha opinião sobre este trabalho, críticos e não críticos, entendidos ou não, quase toda a gente tem algo a dizer sobre ele e as opiniões variam… Obra de Arte ou um disco banal?
Neste trabalho os Coldplay mostram uma maior maturidade, penso que as bandas que merecem ficar para a historia da musica todas elas devem apresentar mudanças ao longo da carreira, adaptações ás novas sonoridades a questão está em saber se essas mudanças são bem conseguidas ou se não o são, os Coldplay inovaram de uma maneira consistente e segura. Com a ajuda de Brian Eno a banda britânica recorreu a sons não experimentados nos trabalhos anteriores, destaco aqui o apoio claro na world music (atenção que a colagem a este estilo está a ficar mais na moda que nunca, aguardemos o que ainda está para vir…) com recurso a ritmos africanos e latinos bem presentes em faixas como “Cemeteries of London”, “Lost!”, “Yes” ou “Strawberry Swing”. Rock sinfónico com direito a orquestra nas faixas “Life in Technicolor”, “Viva La Vida“ (a melhor faixa do álbum, um autentico hino, uma musica que vai perdurar…) e Death and All His Friends (mais introspectiva). Os Coldplay foram inteligentes ao ponto de não deixar totalmente de parte a sonoridade que os havia levado ao topo, isso está patente essencialmente nas faixas “42”, “Viollet Hill” e “Lovers in Japan/Reign of Love”, bem ao estilo dos trabalhos anteriores aqueles que seguiam a banda de mais perto é que se calhar não perceberam isso…
A capa também não poderia deixar de ser referida inspirada no quadro “Liberty Leading the People” do pintor francês Eugene Declaroix, na minha opinião muito bem conseguida e com uma clara mensagem politica intrinsecamente subjacente.
Conceptual e muitas vezes introspectivo, corta de certo modo com o passado… A discussão continua, e vai continuar e isso é mais a prova de que estamos perante um álbum intemporal a provar pelos rios de tinta que já fez correr e pelas paginas de blogs que já encheu, só por isso merece ficar para a história. É inevitável dizer que foi o álbum que mais downloads teve da historia da musica chegou a numero 1 na Grã-Bertanha e nos Estados Unidos e numa serie de outros países incluindo Portugal, o que é raro um álbum conseguir esse feito nos dias de hoje… Para não falar nas 7 nomeações para os Grammys… Se foi a polémica ou a qualidade a conseguir estes feitos… a discussão continua em aberto!
Não me cabe a mim alimentar mais a controvérsia… este álbum conquistou novos públicos que não ligavam nenhuma aos Coldplay e eu fui um desses casos, numa altura em que Chris Martin já fala no fim da banda (numa tentativa de catapultar ainda mais os Coldplay para o estatuto de banda de culto) não me cabe a mim dizer se “Viva la Vida or Death and All His Friends” foi ou não o melhor álbum de 2008 ou dos últimos 8 anos, uma coisa é certa, á muito tempo que não tinha o prazer de ouvir Rock com tanta qualidade...

Viva La Vida - Coldplay

Houses of the Holy (1973) - Led Zeppelin

2008-12-08T13:32:00.008Z

Por altura de 1973 os Led Zeppelin já haviam passado a fase do impacto, que pos meio mundo de boca aberta. Os fundadores do heavy metal já haviam realizado 4 álbuns, todos eles bem sucedidos, esgotavam concertos e conquistavam plateias tanto deste lado como do outro lado do Atlântico, eram a data a banda rock referência.
“Houses of the Holy” o 5º álbum de estudio dos Led Zeppelin vem na sequencia desse estatuto, a banda encontrava-se no auge da sua carreira e mostraneste trabalho uma confiança e maturidade que não haviam apresentado em nenhum dos trabalhos anteriores. Os Led Zeppelin sabiam o que queriam e estavam mais cientes que nunca do seu talento, é também um álbum de mudança e arrojado, os Led Zeppelin inovam neste trabalho experimentando novas sonoridades e estilos, deixam um pouco de lado os riffs fazem mais uso de teclados, mostram-se mais soltos e libertos, mas arrebatadores como sempre…
A iniciar, a faixa “The Song Remains The Same” um clássico, puro rock ‘n roll a Led Zeppelin é uma faixa ainda na onda do que a banda vinha a produzir em trabalhos anteriores, uma profunda mudança nota-se na faixa seguinte “The Rain Song” uma das minhas preferidas, uma balada, melancolica uma letra triste, acompanhada de guitarra acustica e onde a “mistica” desta banda se encontra bem patente. Segue-se “Over the Hills and Far Away” fantástica, mais um clássico da banda, com um inicio voltado para sonoridades Country mas que evolui para sonoridades mais pesadas bem ao estilo dos Led Zeppelin. “The Crunge” e “Dancing Days” mais duas faixas uma de um rock ‘n’ roll electrizante ao estilo Led Zeppelin. “Dyer Maker” é a faixa surpresa deste álbum, nesta faixa (mais uma musica de referência da banda) os Led Zeppelin surpreendem toda a gente recorrendo nada mais nada menos que… ao reggae. Uma faixa que fica no ouvido e que demonstra o lado mais versatil destes britânicos que começavam a querer provar que sabiam fazer boa musica independentemente do estilo. Em “No Quarter” está bem patente a vertente oculta e mistica dos Led Zeppelin, desde o inicio que os Led Zeppelin recorriam ao ocultismo criando a sua volta uma mistica muito própria, recurso a mitologia Celta, a literatura fantástica de Tolkein e muitas vezes acusados de ligações Satanicas, nesta faixa os Led Zeppelin demosntram uma vez mais esse seu lado mais obscuro… A terminar este magnifico trabalho “The Ocean” dedicada aos fans da banda, magnifica performance de Jimmy Page que prova ser um dos melhores guitarristas do mundo e obviamente de Robert Plant aliás como em todo o álbum, em que demonstra ser um dos maiores interpretes do rock não só a nivel vocal mas tambem na forma como dá forma as letras e ao espirito da banda…
“Houses of The Holy” é um trabalho que marcou profundamentea musica rock , prova disso são as inumeras versões feitas a faixas deste trabalho como “Dyer Maker” (Sheryl Crow), “No Quarter” (Tool). Quanto a vendas vendeu até hoje mais de 20 milhões de copias em todo o mundo e chegou a numero 1 tanto nos Estados Unidos como no Reino Unido (como era habito para os Led Zeppelin). A capa é mais uma daquelas capas que ficou para a historia do rock, transmitindo uma vez mais o misticismo e ocultismo como forma de estar na musica da banda, sem utilizar indicativos na capa, só a fotografia, que dá a cada ouvinte a possibilidade de tentar desvendar o significado do cenário apocaliptico e sobrenatural daquelas crianças a subir a Calçada dos Gigantes. A titulo de curiosidade uma dessas crianças é hoje o conhecido apresentador de TV Britânico Stefan Gates…
De uma das melhores bandas de sempre, um dos melhores álbuns de sempre, mais arrojado que os anteriores, mais maduro, boa musica de excelentes musicos sem esquecer toda a carga mistica envolvente dos Led Zeppelin, prepetuada neste trabalho e que faz com que ainda hoje sejam das bandas alvo de mais boatos em todo o mundo e também inevitavelmente das mais ouvidas…

So (1986) - Peter Gabriel

2008-12-01T13:57:00.016Z

Quando em 1975 Peter Gabriel abandonava os Genesis, estava lançada a espectativa em torno da sua futura carreira a solo, e a fasquia era alta, Peter Gabriel fora o "frontman" de uma banda que na altura estava no auge, uma banda inovadora e que conseguia a cada trabalho produzido inevitaveis aclamações da critica, os Genesis estavam no centro do panorama musical de então. No inicio da carreira há que dizer que Peter Gabriel ficou para a critica uns furos abaixo do esperado, com quatro álbuns iniciais em que Peter Gabriel deu o seu próprio nome a todos os trabalhos pois segundo ele, consiederava que não se tratavam de trabalhos distintos mas apenas e só de um único álbum, conseguiu ainda assim alguns pontos de destaque com musicas como “Solsbury Hill” ou “Biko”, no entanto é de destacar o claro afastamento de Gabriel em relação ao progressivo do tempo dos Genesis e a tentativa colagem a sons mais experimentais nomeadamente á world music.
O sucesso chegou numa altura em que nada o fazia prever e em que se esperava mais um álbum na linha dos anteriores, de qualidade mas sem grande impacto comercial. Lançado em 1986 o álbum “So” foi uma autêntica surpresa para o meio musical, e por varias razões…
Peter Gabriel com este trabalho muda drasticamente a sua sonoridade, apercebe-se do que se estava a passar no meio musical e adopta uma sonoridade puramente pop (mais pop que “So” é impossivel…), usou e abusou de samples e de sintetizadores, quanto ás letras, essas manteem a inteligência caracteristica dos trabalhos de Gabriel. Co-Produzido por Daniel Lanois, “So” é constituido por 9 faixas e o destaque vai claramente para musicas como “Sledgehammer” conhecida por todos nós, uma das musicas mais representativas da decada de 80, Gabriel a cantar “I wanna be sledgehammer!” é ainda hoje recordado por todos aqueles que gostam dos anos 80 e de musica, quanto mais não fosse também pelo excelente videoclip, considerado um dos melhores videoclips de sempre em que Gabriel utiliza tecnologia inovadora até então e revolucionou completamente a ideia e o conceito de videoclip, e que ganhou o MTV Music Video Award de 1987 e é ainda hoje e passados estes anos todos o videoclip que mais vezes passou na MTV. “In Your Eyes” outra musica de destaque neste álbum, com uma cagra lirica profunda e uma agradável mistura de pop com world music. Este trabalho teve a participação especial de Kate Bush na também conhecidissima “Don´t Give Up”, um dueto numa musica intimista em que Gabriel nos fala de desespero mas também de esperança e demonstra a suas muitas qualidades de letrista que deram nas vistas desde o tempo dos Genesis. “Big Time” outro videoclip excelente e inovador na linha de “Sledgehammer”. As restantes musicas são de uma pop envolvente e energica com uma carga lirica inteligente como em “That Voice Again”, “We Do What We’re Told (Milgrams 37)” e “This is the Picture (Excellent Birds)”. De homenagem em “Mercy Street” em que Gabriel homenageia a poetisa Anne Sexton. De mensagem politica, que Gabriel já havia demonstrado com musicas como “Biko” no inicio dos anos 80 uma homenagem ao activista negro sul-africano contra o apartheid Stephen Biko, desta vez na faixa de abertura de “So”, “Red Rain” Gabriel demonstra a sua oposição face a pena de morte, uma clara colagem á Amnistia Internacional e á sua mensagem.
De referir também a “guerra” de "frontmans" dos Genesis que apesar de nunca directamente abordada, era inevitavel fazer comparações entre o trabalho a solo Phill Collins (que já mantinha uma bem sucedida carreira a solo) e de Peter Gabriel que com este trabalho Gabriel fica claramente por cima.
Um álbum diferente do que Gabriel vinha fazendo desde que deixara os Genesis, sonoridades pop, um trabalho inteligente do melhor que se fez na decada de 80, de um homem que sempre soube o que queria na musica e que sempre soube colocar o selo da qualidade nos seus trabalhos, nesse ano “So” só perdeu o Grammy para… “Graceland”.

"So", inteligência em formato pop.

Sledgehammer - Peter Gabriel

Made in Heaven (1995) - Queen

2008-11-24T18:36:00.010Z

Faz hoje precisamente 17 anos que a musica perdia um dos seus maiores simbolos, Freddie Mercury morreu a 24 de Novembro de 1991, vitimado por uma pneumonia, isto um dia depois de ter anunciado ao mundo que padecia de SIDA. O disco desta semana como não podia deixar de ser, é dos Queen… “Made in Heaven”.
Os Queen foram das primeiras bandas que me habituei a ouvir, a sua sonoridade e patrimonio musical faz parte do imaginario de todos nós, foram a banda que mais popularidade atingiu nos anos 80 do Século passado e um pouco por todo o mundo toda a gente sabia quem eles eram, eram a banda referencia, e apesar das criticas que os tentavam deitar abaixo acusando-os de só pensarem em dinheiro e de serem a banda mais comercial que alguma vez existiu, o que é certo é que os seus trabalhos falavam por si e mantinham-se sempre acima das criticas com vendas sempre superiores a largos milhões de copias nos quatro cantos do mundo, álbuns que não só vendiam como tinham uma grande qualidade, uma verdadeira “banda sem fronteiras” e se nos dermos ao trabalho de parar para pensar, são varias as musicas dos Queen que ficam, e que numa ocasião ou outra das nossas vidas nos marcaram e quase que dá para fazer a “banda sonora das nossas vidas” só com musicas dos Queen…
O 15º album de estudio dos Queen, é “Made in Heaven” de 1995, um álbum postumo de Freddie Mercury, uma sincera homenagem dos restantes membros da banda e a meu ver uma fiel demosntração daquilo que iriam ser os Queen nos anos 90. Posterior a “Innuendo” de 1991, um álbum muito bem conseguido com uma sonoridade mais fiel ao que se fazia ouvir já nos anos 90 a revelar uma perfeita adaptação da banda a nova Decada (aliás como sempre sucedeu ao longo de toda a carreira), “Made in Heaven” vem confirmar essa tendencia e mais, é um álbum diferente de todos os outros… É uma homenagem, nele esta sempre bem presente a saudade, a tristeza e a melancolia de May, Taylor e Deacon, mas acima de tudo de Mercury…
Feito com vocais já gravados anteriormente por Freddie Mercury em todo o álbum esta presente uma sonoridade celestial a condizer com o titulo do trabalho com sintetinzadores que tão bom ambiente de fundo deram ao álbum veja-se a titulo de exemplo a faixa inicial “It’s a Beatuiful Day”. A faixa “Made in Heaven”(linda) e “I was Born to Love You”(contagiante) já haviam sido lançadas como trabalhos a solo de Mercury no seu álbum a solo “Mr.Bad Guy” de 1984 (com uma sonoridade muito pop), aqui nota-se os excelentes arranjos rock a boa maneira dos Queen. Em “Let me Live” acompanhada de coros goospel, Freddie Mercury faz como que um apelo, uma musica bonita mas comovente, “Mother Love” a ultima musica gravada pelos Queen, uma faixa melancolica e reflexiva, “My Life Has Been saved” foi primeiramente laçada como lado-b no single “Scandal” do álbum “The Miracle” de 1989, também ela uma musica agradavel na linha de “Mother Love”. Em ”Heaven For Everyone” e “You Don´t Fool Me” quero destacar o que já referi, ou seja, estas musicas representam bem aquilo que seria a evolução da banda nos anos 90, muita da critica afirmava que a banda nada tinha a oferecer nos anos 90 e que iriam cair em declinio, estas duas musicas motram precisamente o contrario, “Heaven for Everyone” é mesmo uma das musicas mais conhecidas da banda, é para muitos considerada a melhor faixa do álbum e foi utilizada em diversos spots publicitarios (quem não conhece?). “You Don’t Fool Me” mais 90’s que isto é impossivel, com um excelente videoclip a condizer!
“Too Much Love Will Kill You” a power ballad com que Brian May havia feito sucesso em todo o mundo anos antes, era agora editada com a exuberante voz de Mercury, um empenho fantástico de alguem que nunca desistiu e que tratou sempre a musica com a maior dignidadee empenho não obstante a sua condição de saude, esta faixa é prova disso. “A Winters Tale” é na minha opinião a melhor faixa do álbum não só pelo que representa pois foi a ultima faixa cantada por Mercury, uma verdadeira despedida… Há ainda o reprise de “It’s a Beatiful Day” e ainda as faixas “secretas”: “Yeah” de 4 segundos em que se houve Freddie a gritar “Yeah!” e a faixa de mais de 20 minutos em que nunca foi revelado o nome mas os fans acreditam que se chame “Mystique” em que quase nada se ouve, apenas alguns sons de fundo como se de um fantasma se tratasse e que se crê que simbolize a passagem de Freddie Mercury para o paraiso.
Gosto de todo o trabalho dos Queen, todo ele é muito bom, este é especial, por ser uma homenagem a Mercury e por lhe ser dedicado, é o album responsável por fazer com que as novas gerações gostassem de Queen um álbum que fez a “ponte” com as novas gerações, e por ser o álbum do adeus de uma das melhores bandas de sempre. Vendeu até hoje mais de 10 milhões de cópias em todo o mundo e atingiu (como qualquer álbum dos Queen) o numero 1 em dezenas de paises…
Esta apresentação é uma homenagem a Freddie Mercury, a musica muito lhe deve, e a 17 anos atrás esta ficou irremediavelmente muito mais pobre…

Too Much Love Will Kill You - Queen

Freddie Mercury (1946 - 1991)

2008-11-24T18:31:00.004Z

"Não serei famoso, serei uma lenda."

Ágætis Byrjun (1999) - Sigur Rós

2008-11-17T14:44:00.008Z

Um bom começo… Esta é a tradução á letra do titulo do álbum esta semana apresentado dos Islandeses Sigur Rós, contudo, este não foi o começo da banda, não foi o seu primeiro trabalho pois já haviam editado dois trabalhos: “Von” de 1997 e “Von Brigói” de 1998. Diferente dos anteriores, (para melhor) este álbum marcou a carreira dos Sigur Rós e não só, revolucionou mesmo a musica Islandesa cujo maior produto de exportação era Bjork que com este trabalho deixou de ser a única figura de proa da musica deste pais tão distante de tudo e com uma cultura tão rica…
Catalogada como uma banda de post-rock, utilizando nas suas composições uma mistura de jazz, rock, musica electrónica, influências bem presentes neste trabalho, composto por 10 faixas, uma sonoridade alternativa e diferente, altamente melódica os destaques vão para todas as musicas como não poderia deixar de ser. “Intro” abre o álbum e é a faixa mais curta deste trabalho, “Ágætis Byrjun” tema titulo do álbum e primeiro single, uma faixa em que é fácil constatar a sonoridade marcadamente melódica, em “Svefn-g-englar” é impressionante a capacidade vocal do vocalista Jón Þór Birgissonambas as faixas fazem parte da banda sonora do filme Vanilla Sky. A intimista “Staralfur”, (gosto especialmente desta faixa) sobressai e é bastante envolvente…“Flugufesarin” uma faixa arrebatadora, “Ný Batterí” em que vem ao de cima o lado experimentalista da banda, com um inicio onde reina a confusão com instrumentos de sopro e em que há uma evolução na musica para mais um momento alto em que sobressai a voz de Jón Þór Birgisson. “Hjartað Hamast (Bamm Bamm Bamm)” em que está bem patente a bem sucedida mistura entre o clássico e a musica electrónica, com influência directa do jazz como que uma faixa em que o tempo se cruza, provocando as mais inesperadas sonoridades seguida por “Vidrar vel til loftarasa” a mais longa composição do álbum. “Olsen Olsen”, considerado um hino, a melhor musica do álbum para muita da critica construida a partir de guitarra e em que sonoridades mais clássicas nesta faixa têem uma presença imponente e arrebatadora. Destaco também a vertente sombria da banda em “Avalon” a fechar o álbum.
Este álbum tem tanto de estranho e como de comum, a medida que as musicas vão passando, todo ele se torna familiar, um tipo de musica ambiente, de fácil audição e que transmite inevitavelmente um sentimento de relaxamento, paz e abstracção… clássico e contemporâneo ao mesmo tempo sonoridades com identidade, sentimento e alma e muito mais que simples musica, vamos estranhando de inicio mas a pouco e pouco a musica acaba por nos envolver, um trabalho daqueles que é dificil encontrar hoje em dia e que apesar de estranho, inóspito e longinquo tem la tudo e que se houve do inicio ao fim de uma vez só e que da vontade de repetir quando termina… O isolamento insular da fria Islândia foi neste trabalho materializado como nunca por estes “quatro magníficos” vindos do norte, que no passado dia 11 deram um concerto no Campo Pequeno e deram provas de já terem conquistado o público português. “Ágætis Byrjun” é um álbum com sonoridades próprias de uma cultura fechada como é a islandesa mas ao mesmo tempo rica e arrebatadora reconhecido em todo o mundo como um álbum de enorme qualidade e que revolucionou como foi dito atrás a própria musica Islandesa ao ser considerado o melhor álbum Islandês do Século XX.
Uma obra para escutar com atenção naquelas tardes frias e chuvosas de Inverno que se avizinham, e para viajar através dele…
“Ágætis Byrjun” da Islândia com amor…

Olsen - olsen - Sigur ros

Graceland (1986) - Paul Simon

2008-11-10T17:11:00.007Z

O sucesso já não era estranho para Paul Simon, com Art Garfunkel fez a dupla de maior sucesso da musica pop Americana nos anos 60, álbuns como “Sounds of Silence” de 1966 ou “Bridge Over Troubled Water” de 1970, tornaram-se obrigatórios e uma referência na musica moderna americana. A solo a carreira de Paul Simon foi também ela brindada com inumeros trabalhos bem sucedidos que atingiram boas vendas, exemplo disso é “Paul Simon” de 1972 “There Goes Rhymin’ Simon” de 1973. Houve contudo um declive na venda dos trabalhos de Paul Simon e se no inicio da sua carreira a solo, os seus trabalhos como ficou atrás referido vendiam bem houve posteriormente álbuns menos conseguidos a nivel comercial falo nomeadamente de “One Trick Pony” de 1980 e o álbum seguinte “Hearts and Bones” de 1983.
A carreira de Paul Simon estava a precisar de um novo folego e depois de algum tempo sem gravar, surge este “Graceland” como resposta de Simon a crise que começava a tomar conta da sua carreira. Na verdade, entre 1983 e 1986 Paul Simon não apresentou nenhum trabalho, como se se tivesse afastado das lides musicais, isso não foi contudo verdade, pois nesse periodo (3 anos!) Paul Simon esteve envolvido na produção de “Graceland”.
Já em 1974 Paul Simon havia realizado uma tournée, com cantores de musica gospel e musicos peruanos, demonstrando claramente o seu gosto pela World Music, “Graceland” vem confirmar esse gosto de Paul Simon pela musica etnica, indo buscar a Africa e as suas raizes os artistas e as sonoridades que o acaompanham neste trabalho, numa altura dificil em pleno apartheid na Africa do Sul.
Em suma, este álbum resume-se a duas palavras, a duas culturas: America e Africa, Paul Simon faz de uma forma soberba, as letras encaixam bem numa sonoridade viva, exotica e plena de musica tradicional Africana como que uma forma perfeita de pintar este “quadro” onde tão bem se entrelaçam e complementam duas culturas tão diferentes e ao mesmo tempo tão proximas, afinal é essa a mensagem de Simon em "Graceland": ultrapassar barreiras, unir culturas através da musica. Os ritmos africanos estão bem patentes em todo o álbum as faixas “The Boy in The Bubble”, “Graceland” e” I Know What I Know” são uma mistura de sons e ritmos de uma forma alucinante e exeplarmente executados, e impossivel não ter vontade de dançar ao som de ritmos tão contagiantes, com estas três faixas, “Graceland” tem um inicio no minimo arrebatador “Gumboots”, a quarta faixa do álbum Simon dá uma lição de crença e como não podia deixar de ser os ritmos envolventes continuam. Em “Diamonds on the Soles of Her Shoes” Simon faz uma indirecta critica ao apartheid confrontando as diferente sorte de diferentes crianças que nasceram em meios diferentes. A faixa seguinte é talvez a mais coinhecida do álbum, “You Can Call Me Al” um ritmo que fica inevitavelmente no ouvido a musica relata uma crise de identidade de um homem que resolve fazer uma viajem pelo 3º mundo. “Under African Skies” magnificos arranjos de guitarra e um magnifico dueto com Linda Ronstadt. “Homeless” cantado exclusivamente por um coro masculino, pura world music africana, na faixa seguinte “Crazy Love Vol II” facil de ouvir e muito envolvente, de seguida “That Was Your Mother” os ritmos africanos ficam um pouco de lado dando lugar a musica puramente americana, musica claramente influenciada pelo jazz. O álbum termina com “All Around The World Or The Myth Of The Fingerprints” uma tipica musica de fim de álbum e a mostrar que Simon é um excelente “fazedor” de albuns do inicio ao fim.
Musicos Norte-Americanos, Sul Africanos, Senegaleses, Nigerianos, Mexicanos e das mais variadas proveniencias trabalharam neste excelente exemplo de riqueza cultural sob a forma de musica, para muitos considerado o melhor trabalho de World Music alguma vez feito. Com “Graceland”, Paul Simon ganhou o Grammy desse ano referente a álbum do ano e quanto a vendas, chegou a número 1 no Reino Unido e a número 3 nos Estados Unidos. Acima de todos os prémios, vendas e distinções destaco a mesnagem de Paul Simon que nunca sendo um compositor politico demonstra desta forma a riqueza da sua mensagem uma mensagem claramente politica e anti-apartheid: a musica não tem barreiras e não distingue culturas, religiões ou raças… E afinal não é isso que conta?

You Can Call Me Al - Paul Simon

Soul Mining (1983) - The The

2008-11-03T14:27:00.008Z

Do projecto pessoal de Matt Johnson, The The o álbum desta semana “Soul Mining” é um álbum pop, mas de uma pop muito especial, daquela que soa bem e que não cansa ao ouvir… ao bom jeito dos anos 80. Com 2 álbuns já realizados, “Spirits” de 1979 e “Burning Blue Soul” de 1981, “Soul Mining” é contudo ainda hoje apontado como a grande estreia de Matt Johnson, devido ao fraco impacto dos trabalhos anteriores, “Soul Mining” marcou a diferença, um álbum que como muitos na altura não ficou alheio a realidade de então…
Composto por 8 faixas e de duração total de pouco mais de 40 minutos, “Soul Mining” é por vezes criticado por ser curto (critica que eu não partilho) entendo que os álbuns não são bons pelo numero de musicas e sim pela sua qualidade mas até percebo o sentido da critica, é o sentido do “ja acabou?, quero mais!” e nesse sentido devo dizer que as criticas são perfeitamente legitimas!
A abrir, a faixa “I’ve Been Waiting For Tomorrow (All of My Life)”, com uma batida forte e constante, pura angústia a alta velocidade. Segue-se aquela que foi considerada pela critica uma das melhores musicas da decada e devo confessar ser uma das minhas preferidas “This is the Day” o oposto da anterior e do que na altura se fazia, uma musica alegre com uma sonoridade que fica no ouvido devido ao acordeon e a batida e as palmas constantes no fundo e a voz grave de Matt Johnson. Esta musica fez sucesso em todo o mundo e é impossivel conseguir não nos deixarmos levar e não ouvi-la até ao fim, uma obra de arte! De seguida “The Sinking Feeling” em que Matt Johnson volta a linha da primeira musica com uma letra angustiante e depressiva, mas com uma sonoridade marcadamente psicadelica. “Uncertain Smile” é sem duvida uma das musicas de destque do álbum, uma faixa pop, simples, que fica no ouvido a terminar com um fantastico solo de piano de Jools Holland. “The Twilight Hour" mais uma musica depressiva a letra é sobre uma especie de chamada telefonica que nunca chega. Temos depois a faixa que dá titulo ao album, “Soul Mining”, lenta e igualmente depressiva (para não destoar), que a meu ver soa muito bem sendo uma das melhores do álbum, com grandes arranjos de sintetizador. “Giants” com a sua sonoridade marcadamnente funk. A terminar “Perfect” só acrescentado posteriromente quando o álbum foi lançado nos Estados Unidos, é uma agradavel musica em que se destacam mais uma vez arranjos de acordeon e uma muito boa linha de sintetizadores.
Em suma, o álbum viaja por varios estilos como atras ficou descrito (psicadelismo, synth-pop, funk, new wave) numa altura em que estava em voga contruir musicas a partir de letras cinzentas e depressivas, sem nunca deixar de ter como fundo uma brilhante sonoridade pop que marca o compaço faixa a faixa, as letras essas como já constatei atrás viajam do alegre e bem disposto, ao depressivo constante em quase todas as faixas do álbum.
Ficou feita a revista de uma obra que para muitos é considada de perfeita, um disco obrigatorio quando se faz uma retrospectiva do que foi a pop nos anos 80, musicas como “This is the Day” ou “Uncertain Smile” fizeram sucesso nas radios e pistas de dança naquele ano e marcaram a decada de 80. Depois dos sucesso comercial com “Soul Mining” Matt Johnson foi mudando de estilo em estilo, tocando com diversos musicos incluindo o guitarrista dos Smiths, Johnny Marr, e até conseguiu algum sucesso posterior a “Soul Mining” nomeadamente com “Mind Bomb” de 1989… mas, para ele concerteza que esse facto de vender ou não, de ter ou não ter sucesso teve pouca relevancia, esteve sempre e de certo mais preocupado em experimentar fazer coisas novas, arrojadas e diferentes na musica do que propriamente em fazer trabalhos rentaveis, o lado comercial ficou sempre para segundo plano , e o sucesso alcançado com este álbum foi de certo inesperado pelo proprio Matt Johnosn.
“Soul Mining” é pop que marcou e que ficará para sempre…

Nevermind (1991) - Nirvana

2008-10-27T16:52:00.013Z

Eis que finalmente chega a este blog um álbum da década de 90, e que álbum…
Numa altura em que o meio musical se encontrava numa enorme confusão, com a pop (típica dos anos 80) de artistas como Madonna ou Michael Jackson a cair a pique por um lado, por outro o Heavy metal/Hard-Rock não se mostrava a acutilância de outros tempos e apresentava já demasiado desgaste, começando a ficar para 2º plano era preciso algo de diferente e de novo… E se o contexto musical se encontrava numa encruzilhada há que dizer que o contexto politico-social da altura se encontrava igualmente numa grande confusão: a queda do Muro de Berlim e o consequente fim da Guerra Fria, a mudança do mapa geo-politico, a Guerra do Golfo o inicio de uma nova década e uma total descrença no futuro por parte de uma nova geração.
A História tem demonstrado que é de situações de tensão e crise que os movimentos de contra-cultura têem emergido, o caso que aqui é analisado é um dos maiores exemplos disso, oriundos de Seattle, cidade natal de bandas como os Pearl Jam, Soundgarden ou Alice in Chains, os Nirvana foram contudo a face mais visível do movimento “grunge” que vinha a surgir naquela cidade o principal culpado: Nevermind. Tal como Manchester no final dos anos 70/ inicio dos anos 80, que veio baralhar as cartas do cenário musical e por tudo do avesso, Seattle e o seu som veio fazer o mesmo, o movimento grunge era a resposta a todo o deserto que começava a pairar no meio musical, considero obvio o paralelismo tal como em Manchester o undergound (agora de Seattle) assaltava os lugares cimeiros dos tops um pouco por todo o mundo, e o sentimento cantado pelos lideres dessas bandas era o sentimento de milhões…
Falando do álbum em si, o segundo dos Nirvana foi um acaso do destino, foi feito para vender 100 mil cópias o que é certo é desde cedo conquistou a aclamação da critica e as tabelas de venda um pouco por todo o mundo, até hoje já vendeu mais de 20 milhões de cópias, mas que tem ele de tão especial? Em primeiro lugar há que dizer o que já foi referido, este álbum representa uma nova sonoridade, uma sonoridade alternativa e numa altura em que outros gigantes da musica se encontravam em declínio foi um passo bastante importante para alcançar o sucesso, mas obviamente que não bastava fazer um som diferente para se ter sucesso é imprescindível a qualidade e essa está patente do inicio ao fim de “Nevermind”. O álbum começa com “Smells Like Teen Spirit”, dispensa apresentações, não só é um hino undergound, como para muitos (e eu não discordo) é considerado o hino dos anos 90, bem como uma das melhores canções rock de sempre, segue-se “In Bloom” uma critica á industria musical da altura, “Come as You Are”, inesquecível também devido aos seus acordes, tantas vezes repetidos nas aulas de iniciação de guitarra um pouco por todo o mundo, em “Breed” é de notar a vertente underground dos Nirvana (aliás como em todo o disco), “Lithium” é sobre o distúrbio bipolar do seu autor Kurt Cobain, vem se seguida “Polly”, em que Cobain demonstra a sua repugnância face a violação, “Territorial Pissings” Cobain indica que há uma saida para os problemas, “Drain You” sobre amor, Kurt Cobain assumiu ser uma das suas preferidas a par de “Smells Like Teen Spirit”, “Lounge Act”, uma musica que nos fala sobre persoectivas futuras, “Stay Away” um grito de revolta de Cobain contra o conformismo da juventude, “On a Plain” alvo de diversas interpretações, com varias linhas de poesia e a terminar o magnifico “Something in the Way” sobre a experiência de Cobain ao ser expulso de casa mas Cobain indica que há um caminho apesar de experiências menos positivas… Tudo isto acompanhado de um som diferente de “riffs” e mais “riffs” com uma linha de bateria de Dave Grohl também ela fenomenal…
Produzido por Butch Vig baterista dos Garbage e produtor de trabalhos de bandas como Smashing Pumpkins, Sonic Youth e mais recentemente Green Day é em suma um álbum diferente não só apresenta uma sonoridade pesada mas inovadora, como que uma lufada de ar fresco no panorama musical, como é dirigido a um público ansioso por respostas, alguém que indicasse o caminho num tempo de incertezas este álbum teve esse condão, relata uma época. Os Nirvana a partir dai nunca mais seriam os mesmos, e a titulo de curiosidade, (simbolicamente) destronaram Michael Jackson dos tops Americanos, acabando de vez com a musica pop tão popular nos anos 80, é para muitos considerado o melhor álbum dos anos 90, o Vh1 chega a considerá-lo o 2º melhor álbum de sempre (somente atrás de “Revolver” dos Beatles), a capa essa dispensa apresentações mas merece o seu mais merecido destaque sendo considerada pela Rolling Stone a melhor capa de todos os tempos… Independentemente de se gostar ou não do género, este álbum e histórico, razões não faltam para tê-lo em casa e ouvi-lo do inicio ao fim.
"Nevermind" está para a década de 90 como nenhum álbum consegue estar para a década em que foi feito, é o álbum de toda uma geração…

Smells Like Teen Spirit - Nirvana

Love at First Sting (1984) - Scorpions

2008-10-20T18:00:00.010+01:00

Para muitos, a decada de 80 é considerada a decada do Heavy Metal, pois foi nesse periodo que bandas representantes deste género atingiram a ribalta do rock mundial. Os alemães Scorpions foram um desses exemplos.
Posterior ao consagrado “Blackout” de 1982, o 9º álbum de estudio dos Scorpions, “Love at First Sting”, é quase unanimemente considerado o melhor da banda, razões não faltam, numa altura em que o rock era sempre a abrir, e em que sonoridades mais pesadas ganharam definitivamente o seu espaço na cena mundial.
Há quem o considere um álbum de Heavy Metal e tambem quem considere que estamos perante sonoridades Hard Rock, não acredito que faça sentido essa discussão uma vez que o álbum é uma referencia tanto no Heavy Metal como no Hard Rock. O álbum é um trabalho fácil, malha atrás de malha, avassalador do inicio ao fim, mesmo que não se goste de musica pesada considero ainda assim obrigatorio e acho dificil não nos deixarmos contagiar pelos riffs e solos de guitarra de Rudolf Schenker e Matthias Jabs, e pela magnifica voz de Klaus Meine que depois de um problema nas cordas vocais voltava com um novo estilo vocal, mais “soft”, que viria a marcar tambem uma sonoridade diferente da banda. Este álbum foi a consagração definitiva dos Scorpions a nivel mundial, depois de “Blackout” tambám ele bastante aclamado pela critica, “Love at Fisrst Sting” surge como uma evolução na continuidade, muitos não acreditariam que a banda conseguisse a consistencia e qualidade que consiguira com o álbum anterior , o que é certo é que este album arrasou completamente todas as criticas e em termos comerciais foi o 6º mais vendido nas tabelas da Billboard naquele ano.
O inicio do disco dá-se com “Bad Boys Running Wild”, puro Hard Rock, fica no ouvido seguindo-se de um dos melhores temas dos Scorpions dentro desse género, “Rock You Like a Hurricane”, (quem não conhece?) de seguida surgem musicas como “I’m Leaving You”, “Coming Home”, “The Same Thrill”, “Big City Nights”, “As Soon as the Good Time Rolls”, encaixam na perfeição umas atrás das outras como peças de um puzzle estonteante de riffs e solos a um ritmo alucinante que não ficaria completo sem a instrumental “Crossfire”, e sem a intemporal balada “Still Loving You” que fecha com chave de ouro o álbum. Apesar de não ter sido muito bem recebida pelos fans da banda habituados a uma sonoridade mais pesada, teve o condão de conquistar um novo publico para a banda, e é considerada uma das melhores baladas rock de todos os tempos, entendo que a banda com esta balada mostrou o seu lado versatil e provou que cosneguia fazer excelentes musicas para alem do Hard Rock/Heavy Metal, foi a meu ver musicas como esta que ajudaram a catapultar os Scorpions para a ribalta da cena rock da altura.
Em consequencia deste trabalho os Scorpions conquistaram definitivamente os EUA, o que para uma banda alemã, era uma missão impossivel, a Tour Americana desse ano esgotou concertos atrás de concertos, tomaram de asslato os Tops, tornaram-se a referência Hard Rock de então… Há a referir o também ele imprescindivel “World Wide Live” com registos ao vivo nos EUA e na França da Tour desse ano e que é unanimemente considerado um dos melhores discos rock ao vivo não só dos anos 80 mas de sempre, e que mostra bem as performances de uma banda que foi sem duvida das melhores bandas ao vivo nos anos 80.
Os Scorpions foram uma banda que eu pessoalmente desde cedo soube apreciar e dar o devido valor, apesar de ainda andarem por ai e da critica considerar que andam um pouco perdidos e a mais, longe dos sucessos que os consagraram nos anos 80 e inicio dos anos 90, é uma banda que merce respeito por tuda uma longa carreira que fala por si. Os sucessos já lá vão é certo, considero impossivel os Scorpions voltarem a estar na ribalta como o estiveram em consequencia de álbuns como o este que aqui é apresentado, contudo é bom andarem por ai passados estes anos todos nem que seja para interpretar as musicas desses tempos que fizeram historia no rock, pelo saudosismo. E os fans, esses continuam a estar (como se de uma fidelidade cega se tratasse), um pouco pelos quatro cantos do mundo a celebrar o rock…
“Love at First Sting”, rock a "abrir" do inicio ao fim...

Big city nights.mp3 - Scorpions

10000 Anos Depois Entre Vénus e Marte (1978) - José Cid

2008-10-13T16:32:00.007+01:00

Todos nós reconhecemos a influencia que o trabalho de José Cid teve e continua a ter na musica popular Portuguesa, o que o grande público desconhece é o outro lado da carreira de José Cid. O álbum esta semana apresentado é a faceta mais visível desse lado “oculto” de José Cid.
Depois do sucesso alcançado como líder do Quarteto 1111, José Cid “aventura-se” no rock progressivo na altura em voga. Em 1977 José Cid lança o álbum “Vida (sons do quotidiano)” o primeiro da faceta progressiva de José Cid, para no ano seguinte lançar o álbum “10000 Anos Depois Entre Vénus e Marte”. Costuma-se a dizer que o povo português nunca soube dar valor ao que era seu, preferindo os estrangeiros e estrangeirismos que muitas vezes de qualidade inferior ao que é nosso ganham valor apenas pelo facto de não serem portugueses, como o Vinho do Porto em que (há quem diga) ainda não lhe soubemos dar o devido valor, “10000 Anos Depois Entre Vénus e Marte” é o exemplo maior (na musica) dessa característica tão nossa, senão vejamos: É considerado dos 100 melhores álbuns do género Rock Progressivo de sempre (e é cantado em português um marco notável!), o seu valor em leilões um pouco por todo o mundo atinge as muitas centenas de euros e basta pesquisar no Google “José Cid” ou “10000 Anos Depois Entre Vénus e Marte” para nos serem apresentados centenas de sites que um pouco por todo o mundo fazem referencia a este trabalho, e muito mais poderia ser dito aqui sobre os “feitos” deste trabalho, contudo é impressionante como este trabalho é desconhecido pelo público português.
O álbum em si e um trabalho conceptual, que relata a historia de um homem e de uma mulher que não podendo mais viver no Planeta Terra fogem para o espaço, voltando 10000 anos depois. Começando com “O último dia na Terra” uma faixa em destaque em que sobressai o mellotron, em “O Caos” José Cid apresenta a sua visão do Apocalipse: “A tua cidade é uma vala comum/ todos os caminhos vão a lugar nenhum…”, a faixa seguinte “Fuga Para o Espaço” é um épico, transmitindo uma atmosfera triste e melancólica, seguido de “Mellotron, o Planeta Fantástico”, em que o mellotron está mais uma vez em destaque bem como os solos a um ritmo alucinante da guitarra da Mike Sergaent, a faixa seguinte é a que dá titulo ao álbum, de uma excelente técnica e execução musical, um bom exemplo de rock-progressivo bem tocado assim como “A Partir do Zero” uma fantástica faixa instrumental tal como a faixa final do album “Memos” caracterizada pelos excelentes coros.
De referir também o elenco de luxo que acompanhou José Cid neste trabalho: Ramon Gallarza, Mike Sergaent e Zé Nabo, excelentes músicos. Outras curiosidades deste Álbum para além das já referidas é as de que o álbum era considerado pouco comercial e tendo no seu interior um mini-livro com fotografias que o encarecia muito, José Cid abdicou dos royallities, o álbum vendeu muito pouco, e José Cid deixou por completo a sua vertente progressiva e nunca mais se aventurou nestas andanças (é pena), num dos sucessos seguintes de José Cid a bastante popular “Amar como Jesus amou”, José Cid explica que a compôs porque precisava de comprar um carro novo…
Por tudo o que representa, por ser um dos melhores álbuns de rock-progressivo alguma vez feitos, eu aventuro-me mesmo a dizer que foi dos melhores trabalhos musicais alguma vez feitos no nosso pais, pela critica de José Cid feita a humanidade, e pela excelente qualidade dos músicos que acompanham José Cid nesta obra, este álbum merece ser ouvido com atenção, porque não acompanhado por um cálice de Porto?

Mellotron O Planeta Fantasticoo - Jose Cidd

Depeche Mode de regresso a Portugal em 2009

2008-10-07T16:17:00.011+01:00

No dia em que foi apresentado neste blog o álbum "Music for the Masses" dos Depeche Mode, como que por magia é anunciado o regresso do grupo britânico a Portugal, para um concerto no Porto inserido no Festival Super Bock Super Rock no dia 11 de Julho de 2009, como cabeça de cartaz. A passagem por Portugal é a última data Europeia da banda da "Tour of the Universe 2009". Esta é a primeira banda confirmada nos Festivais de 2009 e é sem dúvida um dos regressos mais esperados pelo público português, os bilhetes já se encontram a venda nos locais habituais...
A "Devoção" está de volta!

Music for the Masses (1987) - Depeche Mode

2008-10-06T14:45:00.014+01:00

Os Depeche Mode foram uma banda que desde cedo soube conquistar o seu espaço na cena musical dita synth-pop, na altura em que surgiram (inicio dos anos 80) usava-se e abusava-se dos samplers e dos sintetizadores, bandas como Human League, Orchestral Manouvers in the Dark, Erasure entre outras, conquistavam a pouco e pouco os tops, destronando o rock.
O 6º álbum de estudio dos Depeche Mode, “Music for the Masses” de 1987, surge como uma evolução da banda, e uma tentativa de adaptação uma realidade sonora que vinha a surgir em finais dos anos 80. De facto e depois de uma ligeira mudança já ocorrida no trabalho anterior “Black Celebration”, em que a sonoridade se tornou um pouco mais complexa assim como as letras mais intensas, deixando um pouco de parte a sonoridade pop, que conotavam ainda os Depeche Mode como uma banda de “teenagers” irreverentes que faziam um tipo de musica fácil, e que até soava bem, “Music For the Masses” foi ainda mais longe que o anterior “Black Celebration” foi um álbum de roptura em que os Depeche Mode atingiram a maturidade musical, adaptam-se compeltamente a uma sonoridade que vinha a surgir, o rock começava a estar novamente na moda e os Depeche Mode perceberam isso como ninguém, assim abandonam definitivamente os samplers e a sonoridade mais marcadamente synth-pop, uilizam pela primeira vez guitarras que nunca mais viriam a largar, e fazem da criação de ambientes sonoros o seu cartão de visita. Quanto a carga lirica, é considerado ao mesmo tempo romântico, épico e depressivo, o álbum é obscuro mas ao mesmo tempo dá vontade de dançar…
Composto por 14 faixas, o principal destaque vai para a faixa de abertura “Never Let Me Down Again”, uma faixa sobre amizades traidas, um clássico da banda, com um videoclip (realizado por Anton Corbijn) igualmente muito bom, “Strangelove” um sucesso nas pistas de dança no outro lado do Atlântico, obrigatória nas compilações de musica electrónica dos anos 80, “Little 15” e a seu lirismo depressivo, sobre memorias passadas ou “Behind the Wheel” uma continuação de “Never Let Me Down Again”, novamente o video está excelente, mais uma musica sobre o amor em que David Gahan interpreta de forma genial as letras de Martin Gore. Pelo meio surgem as restantes musicas “The Things You Said”, “Sacred”, “I Want You Now”, “To Have and to Hold”, “Nothing” e “Pimpf”, e as bonus tracks “Agent Orange”, “Pleasure Little Treasure” (que também destaco) que veêm comprovar a mudança arrojada de estilo da banda e também versões diferentes de “Never Let Me Down Again” e “To Have And To Hold”.
Apesar de não ter sido nada bem recebida pelo público britânico habituado a uma sonoridade pop mais electrónica e com uso e abuso de samplers, talvez derivado a aversão a mudança do povo britânico, o que é certo é que nos Estados Unidos os Depeche Mode conseguiram o sucesso e o reconhecimento que nunca haviam conseguido, obtendo vendas assinalaveis de mais de 1 milhão de cópias, e uma tourné que consagrou a banda encerrando com um concerto no Pasadena Rose Bowl para mais de 80000 pessoas, (impensável na altura para uma banda de musica electrónica!) fez com que se passasse a catalogar a banda como alternativa devido as letras e ao novo publico que este trabalho conquistou, este álbum é considerado como a grande inspiração da corrente pop-electrónica que surgiu em finais dois anos 80, inicios dos anos 90, e com bandas rock como os Smashing Pumpkins ou os Deftones a reconhecerem a inspiração recebida deste trabalho.
Dizer que este álbum marcou a viragem do estilo dos Depeche Mode é pouco, marcou também os anos 80, o álbum é apontado como uma referência na musica electronica e os Depeche Mode mostraram ao mundo como era possivel uma banda reinventar-se, sem perder a sua identidade.
“Music for the Masses”: A synth-pop não morreu, foi reinventada…

Strangelove - Depeche Mode

In the Court of the Crimson King (1969) - King Crimson

2008-09-29T14:52:00.016+01:00

Como primeiro álbum de uma banda que desde inicio soube ser diferente, “In the Court of the Crimson King” é um álbum obrigatório na discografia dos apreciadores de Rock Progressivo, e não só…
Considerado de conceptual, numa altura em que o Rock Progressivo começava a impor-se, muito por culpa de bandas como os Genesis ou os Pink Floyd, mestres de então na produção de trabalhos musicais ditos conceptuais, em que a arte cénica e o recurso a efeitos especiais era uma constante tanto nos álbuns como nos espectáculos ao vivo, recuso-me contudo a considerar que nada mais havia para além destes dois gigantes do Rock Progressivo e este álbum demonstra precisamente que os King Crimson são uma banda fulcral deste movimento musical.
O álbum começa com a faixa “21st Century Schizoid Man” uma faixa a “rasgar” em que Robet Fripp & companhia demonstram uma sintonia perfeita, e uma forma muito inteligente de fazer heavy metal (isto em 1969!), segue-se uma musica que considero especial “I talk to the wind” de uma beleza excepcional, de uma sonoridade completamente diferente da faixa anterior em que o flautista Ian McDonald brilha com solos excepcionais criando ambientes que nos transportam a paragens bucolicas. Em “Epitaph”, é a vez do baterista Michael Giles brilhar numa musica também ela excepcional. Segue-se “Moonchild”, a mais experimental do álbum com cerca de 12:13, os King Crimson puseram neste álbum vários estilos, "In the Court of the Crimson King" é considerado uma autêntica confusão de sons, estilos e correntes musicais, a componente experimentalista da banda não ficou de lado, esta faixa começa com uma especie de balada guiada por mellotron e acaba com uma total balburdia de sons, puro experimentalismo caracteristico dos King Crimson. O álbum termina em grande com mais uma grande faixa: “In the Court of the Crimson King”, a faixa que dá titulo ao album onde a banda demonstra mais uma vez a sintonia entre musicos de grande qualidade e em que Fripp assume o comando, uma faixa ao estilo da primeira, um rock pesado, o álbum termina como começa… bem, com sonoridades pouco experimentadas áquele tempo, pelo meio três faixas mais calminhas em que se viaja de estilo em estilo, sempre com enorme qualidade.
Este trabalho, dos álbuns de estreia mais bem conseguidos de sempre, veio obviamente colocar os King Crimson na cena mundial, não se trata de uma banda de rótulos e os trabalhos seguintes vieram a provar isso mesmo, a banda nunca destuou, apesar da qualidade dos seguintes trabalhos não chegar a qualidade de "In the Court of the Crimson King" (a meu ver), houve sempre muita versatilidade e mistura de estilos em cada trabalho considerando mesmo Robert Fripp que os King Crimson eram uma forma de fazer coisas na musica, muito também por culpa da constante entrada e saida de mebros da banda, não seguindo um estilo propriamente firmado, a banda é catalogada (se é que se pode falar em catalogar os King Crimson) de progressiva e não só: jazz, musica erudita, heavy-metal, folk-rock, musica psicadelica e a lista de generos e sub-generos poderia continuar por ai fora…
De destacar também neste álbum a capa feita por um amigo de Peter Sinfeld , Barry Godber que faleceu de ataque-cardiaco pouco tempo depois da realização do álbum. A capa representa uma expressão humana de sofrimento e pânico, a meu ver, considero exemplarmente bem escolhido para capa deste trabalho, a pintura é excelente ainda para mais considerando que não foi feita por um pintor e que foi a primeira pintura e única de Barry Godber, fica para a história…
Versátil, experimental, arrojado, "In the Court of the Crimson King" é um dos grandes álbuns de Rock Progressivo, considerado a par de trabalhos como "The Dark Side of the Moon" dos Pink Floyd ou "The Lamb Lies Down on Brodway" dos Genesis dos melhores do género, um daqueles que marcou a sua época representa bem aquilo que foi a musica na transição dos anos 60-70, independente do estilo, dos habituais rótulos que aqui não fazem o menor sentido e das divagações de Fripp & companhia, musica assim com qualidade sabe sempre bem ouvir…

Epitaph - King Crimson

The Queen is Dead (1986) - The Smiths

2008-09-22T17:42:00.022+01:00

Há bandas que foram bandas, criaram musica, e ficaram para a história pelo trabalho musical que fizeram, no entanto há outras bandas que foram muito mais que uma simples banda, os Smiths foram de facto muito mais do que um grupo de musicos que fazia boa musica, foram uma instituição, um sindicato, um partido politico e porque não dizer mesmo uma religião. Oriundos de Manchester tal como bandas como os Echo and The Bunnymen, Druitti Column ou os Joy Division que conseguiram transmitir como ninguém a realidade urbano-depressiva daquela cidade, os Smiths foram mais longe ainda, passaram as barreiras de Manchester, tornando-se um fenómeno nacional.
O 4º álbum dos Smiths, “The Queen is Dead” é para muitos considerado a obra prima da banda que mais marcou a musica britânica dos anos 80. “The Queen is Dead” surgiu depois de “Meat is Murder”, altura em que os Smiths estavam no auge e que eram seguidos por multidões de jovens fans que idolatravam a banda, mas o que fazia desta banda tão especial, sendo uma banda que praticava uma musica dita alternativa, numa altura em que o synth-pop se encontrava no auge, eram oriundos de uma cidade onde nunca nada acontecia e gravavam numa editora independente? É dificil falar dos Smiths, mas eu gostaria de considerar em primeiro lugar a capacidade lirica de Morrissey, com suas letras melancolicas, sensiveis e depressivas (como que se de excertos do seu diario se tratasse) por um lado e por outro provocantes e ameaçadoras enfrantando varias instituições, Morrissey tinha uma mensagem (ou várias), e neste album isso está bem patente. Por outro lado há que considerar que Morrissey funcionou como porta voz de uma juventude britânica á altura cheia de problemas e sem grandes perspectivas de futuro as suas palavras funcionavam como a voz dessa juventude oprimida e tantas vezes esquecida pelo Poder e pela sociedade, por esta razão os Smiths são considerados a banda que melhor se adaptou a realidade politico-social da Grã-Bertanha dos anos 80 , uma outra razão do seu elevado sucesso em tão pouco tempo é como não podia deixar de ser… a musica! os magnificos arranjos de Andy Rourke, Mike Joyce e principalmente Johnny Marr, aquele estilo de musica rock fácil, sem solos de guitarra, simples, como que entre o rockabilly e o folk, alternativo, magnifico!
"The Queen is Dead" surgiu num contexto dificil: probelmas sociais, o desemprego, manifestações a descrença em relação ao futuro, o fim do Estado Providência, Margaret Thatcher, uma sociedade em profunda mutação. O álbum serviu como resposta ao poder politico de então: contra a Monarquia Britânica na faixa de abertura “The Queen is Dead”, em que Morrissey critica o alheamento da Familia Real em relação aos probelmas da sociedade inglesa em especial da juventude. Contra Thatcher com “Bigmouth Strikes Again” que deu polémica devido aos versos “Sweetness, Sweetness I was only joking / When I said I’d like / Smash every tooth in your head.” O álbum é constituido por letras depressivas, bem patentes nas faixas “I know It’s Over” sobre o sofrimento relacionado com o fim de uma relação, “There is Light That Never Goes Out”, sobre a solidão e a falta de prespectivas no futuro, mas Morrissey lá ia dizendo que havia uma luz que nunca se apagava, “The Boy With The Thorn in His Side” a mais pop de todo o album relata a descrença em relação aos nossos sentimentos e aos sentimentos dos outros, “Never Had No One Ever” esta ultima sobre o celibato assumido de Morrissey que tanta polémica deu. Tinha também o outro lado, o humor, a ironia e o sarcasmo ao estilo de Morrisey nas faixas “ Vicar in a Tutu”, com a Igreja como alvo, “Frankly, Mr. Shankly” sobre situações de inadaptação, ”Cemetery Gates”, como resposta a critica que tanto massacrava Morrissey e “Some Girls are bigger than others” alvo de diversas interpretações. Chegamos a conclusão que este álbum é uma mistura dos mais variados sentimentos.
Depois de “The Queen is Dead” acentuava-se a guerra pessoal entre Morrissey e Marr que levou ao fim da banda em 1987 (e também ao fim da vida dos muitos fans que não aceitando bem o fim da banda se suicidaram).
E podendo a minha opinião valer pouco fica a nota que este álbum foi considerado pela “Spin Magazine” o melhor álbum de sempre.
Actualmente aquele que bem recentemente foi considerado o 2º melhor britânico vivo segue com a sua bem sucedida carreira a solo e tem “saidas” bem ao seu estilo do genero (e passo a citar): “Prefiro comer os meus testiculos a reunir novamente os Smiths”.
The Smiths is dead…

Some Girls Are Bigger Than Others - The Smiths

Richard Wright (1943-2008)

2008-09-16T19:36:00.004+01:00

The end...

Oxigene (1976) - Jean Michel Jarre

2008-09-15T15:42:00.009+01:00

“Filho de peixe sabe nadar”, este ditado encaixa que nem uma luva ao francês Jean Michel Jarre, que seguindo as pisadas do pai (o compositor Maurice Jarre) desde cedo enveredou pela carreira musical.
O álbum desta semana é o terceiro da carreira deste artista francês “Oxygene” é na opinião de muitos dos entendidos e fãs, o melhor da longa carreira de Jarre…
Este disco foi editado primeiramente em França no ano de 1976 e devido ao estrondoso sucesso que obteve, cedo se concluiu que não podia ficar por ai, sendo posteriormente editado em todo o mundo, no ano de 1977.
Falando do álbum em si, é um álbum instrumental, inovador, futurista, diferente do que até então se tinha ousado fazer um daqueles álbuns que marcou uma época e que eu considero na minha modesta opinião uma obra prima. Dividido em seis faixas: Oxygene I a VI, tocado só com instrumentos electrónicos, destaco principalmente as faixas “Oxygene II” utilizado inúmeras vezes para anúncios de Televisão, e a “Oxygene IV", um hino “new age”, referenciando o ambiente como tema central deste álbum, e cujo videoclip nos transporta para as paisagens inóspitas da Antárctica. Este álbum faz parecer uma banda sonora, a imagem de marca de Jarre foi sempre a criação de ambientes. Um álbum calmo que flui, ideal para relaxar e que se considera marcante e inovador não só pela musica propriamente dita “new age” mas também pela abordagem que o futurista Jean Michel Jarre faz neste álbum a um tema delicado que até então nunca fora abordado: o ambiente. A capa também ela merecedora de destaque considerada uma das mais bem conseguidas capas da história da musica moderna, representa o Planeta Terra a desfazer-se com um crânio humano no interior.
O álbum atingiu o 2º lugar No top Britânico e o 78º nos EUA, Portugal foi desde o inicio reconhecedor do potencial e da qualidade desta obra e do talento de Jean Michel Jarre tendo sido o pais logo a seguir a França onde o album mais cedo atingiu vendas consideráveis.
Numa altura em que a musica electrónica dava os primeiros passos e era apenas uma miragem do que hoje é, e que apenas os alemães Kraftwerk conjuntamente com Jean Michel Jarre se aventuravam nestas lides, este album teve o condão de inspirar músicos a aventurarem-se neste campo tão desconhecido até então, deu alento, motivou e revolucionou a musica electrónica e mesmo a musica isto numa altura em que o Glam-Rock estava no auge e o Punk começava a dar os primeiros passos, valeu a Jarre vários galardões como o "Grand Prix Du Disques" da Charles Cross Academy, e a revista americana "People" considerou em consequência de “Oxygene”, Jean Michel Jarre uma das personalidades do ano, para já não falar no facto do álbum ter colocado Jean Michel Jarre no “mapa” da cena mundial da musica e passados mais de 30 anos da sua edição ser considerado um dos percursores musica electrónica (juntamente com os Kraftwerk) e o pai das “rave parties”, festas estas que celebrizaram Jarre um pouco por todo o mundo e que por quatro vezes inscreveram Jean Michel Jarre no Livro de Recordes do Guiness.
Jean Michel Jarre passou este ano por Portugal (pela primeira vez) para dois concertos nos coliseus de Lisboa e do Porto, para tocar na integra o álbum "Oxygene"(por ocasião do 30º aniversario da sua edição), e prometeu voltar em breve para um concerto ao ar livre… Os fãs portugueses aguardam, será sempre bem vindo!
"Oxygene" é intemporal e pela temática que aborda, passados 30 anos nunca fez tanto sentido escutá-lo…

Oxygene IV - Jean Michel Jarre

Brothers in Arms (1985) - Dire Straits

2008-09-08T13:41:00.011+01:00

Dificil decisão… escolher um álbum no meio de um infinito interminavel de boa musica para começar o blog, ser o primeiro. O álbum em causa é “Brothers in Arms”, e ao escolhe-lo para iniciar este espaço não o fiz de animo leve.
É na minha opinião um marco na musica rock anglo-saxonica, vendeu mais de 29 milhões de copias, um feito para uma banda habituada ao exito desde o inicio da carreira, muito por força de musicas como “Sultans of Swing” de 1978 ou “Romeo and Juliet” de 1980, e também devido ao movimento new wave que substituiu no final dos anos 70 inicio dos 80 o punk já demasiado gasto, enfadonho e repetitivo, os Dire Straits foram desde cedo um dos rostos do new wave com infuências country, estavam contudo ainda um pouco longe dos “grandes estádios” das luzes da ribalta da cena rock mundial áquele tempo.
“Brother s in Arms” teve esse condão, transportou os Dire Straits para o topo, foi naquele ano (1985) o album que mais vendeu no Reino Unido, foi especial, totalmente inovador, foi dos primeiros álbuns a ser totalmente produzido e gravado no então novo formato: o CD.Sucesso atrás de sucesso, os Dire Straits não tiveram medo de arriscar, e assim chegaram ao topo, foi o album que catapultou os Dire Straits para os grandes palcos como o Live Aid ou Wembley Arena (várias vezes esgotado em consequência da tour desse ano), e que fez com que os Dire Straits fossem a banda rock que mais álbuns vendeu em meados dos anos 80, mudou completamente a imagem da banda e o seu status. Desculpem, mas mas se há álbum que merece as honras para iniciar este blog este é um deles.
O álbum é composto por 9 faixas (e chega) e ilustram bem a qualidade de uma banda de estilo próprio (rock, new wave, country o que quiserem…) e acima de tudo a capacidade de composição do “frontman” Mark Knopfler.
A começar, “So Far Away”, bastante recorrente passados mais de 20 anos nos “oceanos pacificos e hoteis california” das nossas radios, devo dizer que é uma das minhas preferidas do grupo transmitindo uma tristeza subtil e romântica ao mesmo tempo que nos leva a sonhar ainda com o amor e com o que dele está para vir, seguindo-se “Money for Nothing” que dispensa apresentações e cujo videoclip foi o primeiro da história a ser totalmente concebido via informatica sendo também o primeiro videoclip a passar na MTV britânica e o mais exibido pela MTV americana, segue-se o animado “Walk of Life” que ainda hoje faz as delicias de todos nós, uma faixa com evidentes infuências na musica country americana sempre presente desde o inicio da banda o que demonstra uma vez mais a versatilidade do grupo, o videoclip é uma especie de apanhados do desporto americano, as referências a cultura americana são evidentes neste álbum, talvez essa também uma das razões quue fez este álbum ser também um sucesso no outro lado do Atlântico, em “Your Lastest Trick” é por todos nós recordado devido ao fenomenal solo de saxofone que fez com que esta balada se tornasse inesquecivel, a belissima balada “Why Worry”, um hino á amizade para muitos considerada a melhor balada dos Dire Straits. “Ride Across the River”, “One World” e “The Man’s Too Strong” foram muicas com menos impacto mas também nelas é de notar o lado versátil e a capacidade de fazer boa musica dos Dire Straits, a terminar a eterna balada que da nome ao álbum: “Brothers in Arms”, um hino anti-guerra inesquecivel e mais um video-clip de sucesso a terminar em grande este album que não me canso de ouvir de seguida, é daqueles (poucos) que da gosto ouvir do inicio ao fim, faixa-a-faixa, êxito a êxito e que é indispensavel na discografia dos bons apreciadores de boa musica.

O 4º álbum mais vendido de todos os tempos na Grã bertanha. Fica aqui minha homenagem a Mark Knopfler que ainda este ano nos presenteou com um concerto num Campo Pequeno completamente lotado, merece ser lembrado, indispensável…

So Far Away - Dire Straits

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2008-09-08T13:00:00.003+01:00

Destina-se este blog a disponibilizar de um modo simples e com uma periodicidade mais ou menos constante comentários a discos que na minha opinião, de um simples apreciador de musica marcaram e continuam a marcar a minha forma de entender e apreciar esta arte. "Discos de Bolso" está ao dispor de todos os que queiram partilhar ideias sobre a musica e sobre as obras nele apreciadas... porque:

"A música é a revelação superior a toda sabedoria e filosofia." - Beethoven.